Spectacle Vivant

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7 11/2017

Irina Brook, directrice du Théâtre National de Nice : « Il n’y a rien de tel que la rencontre directe et humaine. » | portraits | spectacle | Artistik Rezo, agitateur de vie culturelle

mardi 7 novembre 2017|Catégories: Spectacle Vivant|Mots-clés: |

Fille du grand metteur en scène Peter Brook, Irina, dont le prénom est celui d’une des « Trois Soeurs » de Tchékhov, vient d’être reconduite à la direction du Théâtre National de Nice pour son deuxième mandat jusqu’en 2020. Enthousiaste, volontaire, cette bûcheuse acharnée poursuit à Nice une révolution en douceur par l’approche d’un public élargi qu’elle va chercher dans tous les coins de la région, dans les usines, les écoles, les maisons de retraite, jusqu’à l’équipe de Football de Nice, afin de leur donner le goût d’une découverte théâtrale. Le chantier est énorme mais Irina Brook, décorée l’an dernier « Officier des Arts et des Lettres » par le Ministère de la Culture, n’est pas du genre à se décourager. A l’occasion du tout premier festival entièrement dédié au jeune public, « Génération Z « , son désir d’offrir la culture à tous est encore plus ardent.

 

Comment est née l’idée de lancer ce premier festival pour la jeunesse ?

-C’est une conclusion de 4 années de travail. Au bout de mes deux premières années à la tête de ce CDN (Centre Dramatique National), j’ai remarqué qu’il n’y avait aucun enfant dans les salles. J’ai donc commencé à programmer des spectacles pour le jeune public, mais sans succès car les familles n’étaient pas habituées ni invitées à fréquenter le théâtre. Les gens ne se déplacent pas lorsqu’ils pensent que le lieu n’est pas pour eux. Malgré des spectacles de grande qualité, les salles n’étaient pas remplies. Je me suis dit que l’une des mes missions était celle-là : faire venir de jeunes spectateurs au spectacle. Il ne suffit pas de présenter 3 spectacles jeune public dans un programme de saison, il faut agir autrement. L’idée d’un festival est venue l’an dernier.
C’était compliqué de faire cela à Nice ?
-C’était risqué. D’abord parce que le festival est programmé durant les vacances de la Toussaint quand le théâtre est historiquement toujours fermé. J’avais donc l’histoire contre moi mais on a continué droit devant ! Dans cette première semaine d’ouverture, ce qui est très réjouissant c’est que les spectacles sont pleins, les ateliers sont pleins, que ce soit pour les jeunes enfants ou les adolescents (spam, clowns, contes pour enfants, hip-hop). Les habitudes sont donc longues à changer, mais cela bouge, heureusement très positivement. On avait très peur au début, car on ne remplissait pas l’atelier improvisation pour les 11-18 ans ! Mais je dois avouer que j’ai été très émue quand j’ai assisté à la représentation d’ « Azerty et les mots perdus » et que j’ai vu, pour la première fois, une salle composée d’adultes et d’enfants tous réunis en famille. Les rencontres au bord du plateau, entre les équipes artistiques et le public, marche aussi très bien.

Donc c’est une première expérience réussie ?
-C’est aussi l’aboutissement de deux années de travail, de recherches et de démarches auprès des publics. Ça ne vient pas tout seul, on a démarché comme le font les comédiens au festival Off d’Avignon !

Point dinterrogation Gaëlle Simon 3 copie copie

Vous n’avez pas « tracté » ?
-Si ! Je n’ai aucune fierté ! Je distribuerai des tracts et des programmes jusqu’à ce que la dernière place soit vendue. Ma petite compagnie de jeunes acteurs, « Les Eclaireurs », ont mis des nez rouges et on est sortis ensemble dans la coulée verte à Nice pour aborder les gens. Quand il faut remplir, il faut remplir ! Il n’y a rien de tel que la rencontre immédiate et humaine. On peut créer les plus belles affiches, communiquer sur tous les réseaux sociaux, écrire les plus beaux textes, tant qu’on ne rencontre pas réellement l’autre pour lui parler et avoir les arguments pour le convaincre, les gens ne se déplacent pas. Il faut les tirer par la main physiquement !

C’est ce que vous faites vraiment ?

-Mon objectif en arrivant ici était de faire venir des personnes qui n’avaient jamais mis les pieds dans un théâtre. J’étais assez naïve pour croire qu’il suffisait de quelques manifestations en dehors des murs du théâtre, des événements sur le marché de Nice pour faire venir des spectateurs. En réalité, c’est lorsque nous avons joué le spectacle « Point d’interrogation » à l’usine Malongo il y a deux ans que j’ai réalisé que les ouvriers de l’usine ne décollaient pas de leurs chaises pour aller vers nous. On leur faisait peur, nous, les artistes, la culture, alors qu’ils étaient dans leur propre lieu de travail ! Il fallait donc les prendre par la main. On ne peut pas sous estimer la peur des gens face à la culture. La mission d’un CDN est d’aller vers les gens, même s’ils ne deviennent pas tous des abonnés. Ensuite, le travail de fond consiste à constituer un nouveau public. Cela demande beaucoup d’abnégation et de patience.

Les premières années de votre mandat, après avoir succédé à Daniel Benoin, ancien directeur qui a été nommé au Théâtre d’Antibes, vous avez vu les salles se vider ?
-Oui, mais c’est normal car nous ne faisons pas la même programmation. Si les spectateurs souhaitent voir Pierre Arditi ou d’autres têtes d’affiche parisiennes, ils ont un choix fabuleux chez mon voisin à Antibes, donc ils n’ont pas besoin de moi. En réalité, nous sommes complémentaires. Mais vous savez, je n’ai rien contre les stars.  Pour « Lapin Blanc, Lapin Rouge » de l’Iranien Nassim Soleimanpour a été joué par François Cluzet, Lambert Wilson, Charles Berling ou Jacques Weber. La rencontre de comédiens prestigieux avec un texte unique et surprenant chaque soir. C’est ce mélange que j’aime. Il nous faut en même temps répondre au cahier des charges d’un CDN, c’est à dire proposer du cirque, de la danse, de la chanson, mais aussi des textes forts, qui touchent à la société, aux problématiques actuelles.

 

Comment se conjugue votre désir de théâtre engagé, porteur de problématiques sociales, politiques, écologiques avec la municipalité de Nice ? Vous sentez vous aujourd’hui « adoptée » par Nice et son maire Christian Estrosi ?

-Je me dois absolument de ne pas mélanger la politique de la Ville de Nice, qui subventionne le théâtre à 50% avec l’Etat, avec mes choix artistiques. De même que le maire de Nice, Christian Estrosi, déclare respecter les artistes qui sont nommés quelques soient leurs créations. Depuis mon arrivée à Nice en 2014, je me suis toujours sentie bien accueillie et soutenue par la municipalité. Bien sûr, comme je suis impatiente de nature et que je voulais changer rapidement les choses, il y a eu ça et là des petites crispations, mais fondamentalement les tutelles municipales m’ont agréablement soutenue dans ma volonté d’ouverture aux publics. Le travail que l’on fait profite d’abord à la ville de Nice, comme en témoignent les nombreuses associations qui font appel à nous. J’aime être utile aux autres. C’est ce sentiment d’être utile, qui m’a fait abandonner la fabuleuse liberté que j’avais avant de prendre ce poste. Pour accepter cette responsabilité, la lourdeur de cette tâche avec l’aspect administratif qui va avec, pour accepter le sacrifice que j’ai fait de ma vie familiale, moi qui ai toujours privilégié la relation avec mes enfants, il fallait vraiment que je sente l’utilité de ce travail. Je n’ai jamais été intéressée ni par le pouvoir, ni par l’argent. Je ne déjeune par sur des yachts, mais on travaille simplement du matin au soir sans répit.

Ressentez-vous aujourd’hui de la gratitude vis à vis de votre travail ?
-Oui, mais je ressens surtout l’énorme désir des gens de tous milieux pour le théâtre. Nous tentons d’y répondre par tous les moyens possibles, et notamment en nous déplaçant chez eux.

Vous faites du porte-à porte comme les politiques ?
-Absolument, et j’adore ça. Et quand il vous faut parler dans le détail de 40 spectacles, vous pouvez y passer deux heures ! Cela devient un exercice de style, et invariablement les gens ont envie de tout voir.

Aujourd’hui, alors que vous entamez votre deuxième mandat, vous sentez que vous tenez le bon bout ? 
-A la fin de mon premier mandat, j’aurais pu m’enfuir en courant. Profiter de mes enfants, voir la pluie tomber, ne pas être dans une course folle et incessante. Mais c’était impossible, car je commençais juste à voir émerger les résultats de notre difficile action. Je table sur une période de 7 ans pour faire émerger les projets auxquels nous nous attelons et les encouragements que nous recevons chaque jour, les remerciements sont des preuves de gratitude à l’égard de notre travail. Ma vie entière se déroule au théâtre. Ce sera difficile d’arrêter.

Hélène Kuttner

[Crédits Photo 6 : Peer Gynt © Jean-Claude Fraicher

31 10/2017

Alfortville : une saison qui « déménage » au Théâtre-Studio / Le Parisien

mardi 31 octobre 2017|Catégories: Spectacle Vivant|Mots-clés: |

 

Alfortville, le 26 octobre 2017. Filage de la pièce Triumvirus de Nina Villanova au Théâtre-Studio à Alfortville

La scène de théâtre contemporain démarre avec une création de Nina Villanova qui devient associée du metteur en scène Christian Benedetti.

Attention, vous allez en prendre plein les yeux. Ce mardi, le Théâtre-Studio lance sa nouvelle saison. La scène de Christian Benedetti donne sa chance à une jeune metteur en scène et comédienne, Nina Villanova qui présente « Triumvirus ».

« C’est quelqu’un qui a énormément de talent qu’il faut suivre et à qui il faut donner les moyens d’aller au bout de sa pensée », s’enthousiasme Christian Benedetti, qui l’a croisée à Avignon. A tel point que le metteur en scène a décidé d’en faire son associée.

Durant 1 h 40, cette pièce en douze tableaux place le spectateur à travers une métaphore médicale, face aux rapports d’oppression et de soumission qui s’exercent dans la société. Le tout avec pour toile de fond la crise grecque.

Le déclencheur pour Nina Villanova ? « La loi travail, confie-t-elle au sortir d’un filage. Cela a fait partie de ma repolitisation. J’avais besoin de comprendre. » Alors pendant un an et demi, un travail de recherche, de documentation l’occupe.

Avant l’écriture du spectacle qui entrecroise improvisations, extraits de films réarrangés, de musiques, ou de textes célèbres (Ka a « A la colonie pénitentiaire », Jules Romain « Knock » ou encore « le Malade Imaginaire » de Molière…) Un mélange déjanté qui fonctionne et dont le spectateur ne ressort pas indemne. Le décor non plus…

Partenariat avec le théâtre Antoine-Vitez d’Ivry

« C’est un discours politique et artistique rare », note Christian Benedetti, qui annonce le deuxième volet l’année prochaine et son inscription à l’ouverture des Théâtrales Charles- Dullin.

Un projet que soutient aussi le théâtre Antoine- Vitez d’Ivry. C’est l’autre nouveauté de cette saison. Les deux scènes multiplient les partenariats. « Nous sommes sur la même longueur d’onde », sourit Christian Benedetti. « Je suis contre la concurrence et pour créer des relations artistiques », complète Christophe Adriani, le directeur d’Antoine-Vitez. La pièce « Parfois le vide » produite à Ivry figurera à l’affiche à Alfortville.

Les habitués du Théâtre-Studio retrouveront aussi « La Cerisaie » (Tchekhov), « 4.48 Psychosis/Blasted » (Sarah Kane), des pièces classiques du répertoire signé Benedetti…

Autant de « croisements » qui définissent le Théâtre-Studio, « lieu de recherche, de laboratoire et de fabrique », selon le maître des lieux.

Théâtre-Studio, 16, rue Berthelot. Tél. 01.43.76.86.56

Val-de-Marne Christian Benedetti

Agnès Vives @VivesAgnes

27 10/2017

«Lucrèce Borgia», vendetta vue des Balkans – Culture / Next

vendredi 27 octobre 2017|Catégories: Spectacle Vivant|Mots-clés: |

«LUCRÈCE BORGIA», VENDETTA VUE DES BALKANS

Par Frédérique Roussel— 26 octobre 2017 à 18:16

A gauche, la salle du Théâtre national de Tirana vue de la scène. Ci-dessous, Luiza Xhuvani dans le rôle de Lucrèce.  Photo Teatri Kombetar En mai au Théâtre national de Tirana, lieu chargé d’histoire en passe d’être détruit, Eric Vigner a choisi de monter en albanais la pièce de Victor Hugo pour ses résonances avec les traditions locales. Et offert le rôle-titre à la célèbre actrice Luiza Xhuvani, dont le fils est actuellement emprisonné.Six lettres ont été apportées une à une sur la scène par les comédiens : B, O, R, G, I, A. Elles sont massives et blanches. Avec une réplique de la Colonne sans fin de Brancusi, elles constituent l’essentiel du décor. Eric Vigner a réalisé une mise en scène épurée et stylisée de la pièce de Victor Hugo (1). Il a exploité aussi la profondeur brute du plateau, avec en tête l’adaptation d’Antoine Vitez, en 1985 : un plateau vide, envahi par l’obscurité, sculpté par la voix et la gestuelle des acteurs. Tout se joue dans l’exhibition du tragique intériorisé des personnages, en particulier de Lucrèce, mère incestueuse, qui voudrait effacer par son amour les crimes du clan tyrannique et décadent. C’était la première fois, le 12 mai, que Lucrèce Borgia, pièce sur le pouvoir (reprise en novembre au festival Mettre en scène à Rennes), était jouée à Tirana.

Travailler à Tirana n’était pas une première pour Eric Vigner, directeur du CDDB – Théâtre de Lorient de 1996 à 2015. En 2007, il était venu en Albanie, à l’invitation du directeur du Théâtre national de Tirana, Kristaq Skrami, avec une lecture du Barbier de Séville de Beaumarchais (Berberi y Seviljes) envisagée en regard de l’histoire politique et de la culture du pays. Jamais un metteur en scène français n’avait encore dirigé la troupe albanaise dans ses murs et dans sa langue. Dix ans plus tard, c’est donc avec Lucrèce Borgia – pièce traduite pour l’occasion – qu’il multiplie les échos avec la situation de ce pays des Balkans.

«J’avais emporté dans l’avion une pièce de Koltès et Lucrèce Borgia, raconte Eric Vigner. Je gardais un vague souvenir de la pièce de Victor Hugo que je n’avais pas relue depuis vingt-cinq ans.» Le metteur en scène y a tout de suite vu un projet susceptible de rencontrer la culture albanaise, imprégnée en particulier par des siècles de loi du talion, le «Kanun», sorte de droit coutumier qui suppose une forme de vendetta (ou gjakmarrja) encore vivace dans les montagnes du nord. La vengeance et la corruption irriguent la famille Borgia. «Lucrèce pense que l’amour va lever l’atavisme de la famille Borgia, poursuit l’artiste breton.C’est une pièce pleine de paradoxes et les paradoxes font partie de la culture albanaise, pour qui la famille est par ailleurs très importante.»

Carrière internationale

Coup de fil à Luiza Xhuvani, la célèbre actrice albanaise qu’il avait dirigée dans le rôle de Rosine pour le Barbier de Séville. «Dans Lucrèce Borgia, c’est toujours l’actrice qui génère une atmosphère particulière, explique-t-elle. C’est une héroïne tragique.» Dans l’interprétation de Luiza Xhuvani, 53 ans, c’est la douleur intérieure et la fragilité qui frappe, et non l’hystérie. Ce rôle de mère déchirée rencontre son histoire personnelle : il y a quelques années, son fils a été condamné à trente-cinq ans de prison. En Albanie, toute petite société de 3 millions d’habitants dont 800 000 dans la seule capitale, tout le monde connaît la situation tragique dans laquelle est plongée la famille de l’actrice, et en éprouve de l’empathie. D’autant que Luiza Xhuvani est une vedette locale, qui mène une carrière internationale et a été remarquée dans Slogans (2011), film franco-albanais de Giergi Xhuvani, prix de la jeunesse pour le meilleur film étranger au Festival de Cannes. Depuis trois ans, Luiza vit en Grèce. «Je lui ai dit : « Lis la pièce », reprend Eric Vigner. Elle l’a lue en grec et elle a dit oui au rôle de Lucrèce deux jours après.»

Ce projet théâtral, dont les répétitions se sont étalées sur deux mois et demi, signe l’entrée de Victor Hugo au répertoire du Théâtre national albanais, mais sonne aussi le glas de sa salle historique. En effet, le bâtiment, situé en plein cœur de la ville tout près de la place Skanderberg, va être prochainement détruit. Il n’avait d’ailleurs pas été conçu pour durer. Inaugurée par Mussolini en 1940, cette salle à l’italienne (quoique tout en angles droits) servait initialement de cinéma avant d’être convertie en théâtre – Topaze de Marcel Pagnol fut la première pièce jouée en son sein en 1945 – et d’être destinée à la troupe, comme le théâtre de l’Armée russe à Moscou. «Avant cela, il n’y avait que du théâtre amateur en Albanie, explique Hervin Culi, 46 ans, le directeur actuel. L’histoire professionnelle du théâtre de ce pays ne commence qu’en 1945.» Il raconte notamment comment la pratique a connu un âge d’or dans les années 60 et 70 avec des comédiens de grande renommée comme Kadri Roshi, Sulejman Pitarka ou Violeta Manushi. Avant que la censure et les menaces d’emprisonnement n’empêchent le déploiement d’une plus grande créativité. Interdiction notamment de monter les pièces de Tchekhov, auteur considéré alors comme pessimiste et décadent.

«Génération ambitieuse»

Ce pays hier totalement clos qui s’est ouvert en 1991 à la queue du bloc de l’Est a pu expérimenter, depuis, bien des choses. Mais la culture a aussi subi des coupes. Le Théâtre national, équivalent de la Comédie-Française avec une troupe permanente, a vu passer le nombre de ses comédiens permanents de 60 membres à l’époque du communisme à 28 aujourd’hui, avec des contrats désormais limités dans le temps. «Au début des années 90, la politique a tout dominé et beaucoup d’artistes sont entrés à l’Assemblée nationale, relate encore Hervin Culi, formé en Roumanie au tout début des années 90 et qui a mis en scène Tchekhov et Goldoni. Nous venons de vivre vingt-cinq ans de transition et aujourd’hui la nouvelle génération est ambitieuse.»

Signe des temps encourageant : le pays connaît un boom des théâtres et des compagnies. Le public du Théâtre national a été multiplié par cinq en trois ans et le nombre de représentations par trois. En 2016, tous les billets pour les représentations de la Mégère apprivoisée de Shakespeare, des Trois Sœurs de Tchekhov et du Tartuffe de Molière avaient été vendues à l’avance. La ministre de la Culture, Mirela Kumbaro, femme de lettres et traductrice, soutient les arts. Il y a un an, le Premier ministre, Edi Rama, a annoncé l’ouverture d’un nouveau théâtre dans une ancienne usine désaffectée, la Turbine. Et malgré tout, le bâtiment du Théâtre national, destiné au provisoire, a finalement duré soixante-dix ans. Son état s’est considérablement dégradé : fissures, fuites, escaliers qui menacent de s’effondrer, absence de chauffage et de climatisation. Le matériel lui-même laisse à désirer : il a fallu apporter un projecteur de France pour éclairer correctementLucrèce Borgia.

Dans les loges après la représentation, Luiza Xhuvani, qui n’avait pas mis les pieds sur les planches depuis quatre ans, se confie sur ce rôle : «Il me permet de dire des choses que je n’aurai jamais dites.»Et d’ajouter : «Le théâtre est une catharsis, Eric Vigner est un metteur en scène qui fait du théâtre comme on fait un film. Il est cinématographique.» La comédienne a commencé sa carrière ici à 21 ans, entre les quatre murs de ce bâtiment branlant mais plein de charme qui va disparaître après sa prestation dans Lucrèce Borgia.«On travaille des pièces d’auteurs étrangers, on est sur le bon chemin», conclut Luiza Xhuvani, à qui on vient de proposer, en Grèce, le rôle de Médée.

(1) «Mon théâtre vise à une forme d’épure. […] Je rêve d’un maximum de théâtre avec un minimum de démonstration et un minimum de « jeu ». Le tout dans un espace vide. Ce serait la quintessence du théâtre» dans Quarante-Huit Entrées en scène d’Eric Vigner. Ed. Les Solitaires Intempestifs, 118 pp., 13 €.

Frédérique Roussel

Lukrecia Borxhia d’après Victor Hugo 

 

23 10/2017

La Fuite ! – Théâtre / Critique – Journal La Terrasse

lundi 23 octobre 2017|Catégories: Spectacle Vivant|Mots-clés: |

La Fuite !

THÉÂTRE GÉRARD-PHILIPE – CDN DE SAINT-DENIS / DE MIKHAÏL BOULGAKOV / MES MACHA MAKEÏEFF

La directrice du Théâtre national de Marseille revient sur son histoire familiale à travers une pièce de Mikhaïl Boulgakov relatant l’exil des Russes blancs au début des années 1920. C’est La Fuite !, une grande fresque théâtrale qui déploie tous les charmes poétiques des rêves.

Une petite fille est là, au sein d’une chambre, à l’avant-scène. Près d’un lit. Dans une forme de pénombre. De beau clair-obscur onirique. Il s’agit bien là d’un rêve. Le rêve d’une metteure en scène, Macha Makeïeff, qui avant de se lancer dans l’œuvre de Boulgakov (1891-1940), se revoit enfant, auprès de sa grand-mère, en train d’écouter les récits exaltants et dangereux qu’elle lui racontait, des années après avoir dû quitter la Russie et s’installer en France. Ce sont de tels récits – d’exil, de paradis perdus, d’ailleurs incertains, de destins à reconstruire… – qui composent les huit songes de La Fuite !. Dans cette comédie fantastique, l’auteur du Maître et Marguerite revient sur l’exode des Russes blancs, au début des années 1920, à la suite de la prise de pouvoir bolchévique. Il nous entraîne dans les pérégrinations d’une société bigarrée : des femmes et des hommes en perte de repères tentant de survivre au sein d’un monde en pleine débâcle.

De Sébastopol à Paris, en passant par Constantinople

Dans la représentation que signe Macha Makeïeff, ce monde nous apparaît à travers tous les accents de son excentricité, de sa drôlerie, de sa mélancolie. Comme à l’intérieur d’un vaste rêve, les lieux se succèdent et le temps s’éfaufile. Les personnages vivent avec démesure. D’un pays à l’autre, ils s’opposent, s’aiment, se perdent, livrent le combat de l’existence. Ils sont une trentaine, incarnés par une troupe d’interprètes absolument remarquables : Pascal Rénéric, Vanessa Fonte, Vincent Winterhalter, Thomas Morris, Geoffroy Rondeau, Alain Fromager, Pierre Hancisse, Sylvain Levitte, Samuel Glaumé, Karyll Elgrichi, Emilie Pictet. C’est toute la matière de cette course folle qui nous touche par leur biais. Et par le biais des tableaux d’une grande beauté composés par la directrice du Théâtre de La Criée (les lumières sont de Jean Bellorini, la création sonore est de Sébastien Trouvé). Entre fulgurances esthétiques et densité d’un jeu d’acteurs très corporel, Macha Makeïeff trouve ici un parfait équilibre. Elle nous suspend au fil de son enfance et nous plonge dans un rêve de théâtre profondément personnel.

Manuel Piolat Soleymat

19 10/2017

« La Fuite ! » : le rêve noir de Bougalkov et Makeïeff | Les Echos Week-end

jeudi 19 octobre 2017|Catégories: Spectacle Vivant|Mots-clés: , |


Défait, l’état-major russe blanc prépare sa « fuite ». © Pascal Victor/ArtComPress

Créée à La Criée, à Marseille, « La Fuite ! », comédie fantastique en huit songes de Mikhaïl Boulgakov, est promise à une longue tournée. Macha Makeïeff en a fait une belle fugue onirique et burlesque, portée par des comédiens habités.

« La Fuite ! » est sans doute le spectacle le plus ambitieux de Macha Makeïeff. D’abord parce que la pièce de Mikhaïl Boulgakov est un monstre, une épopée de plus de trois heures qui retrace en huit « songes » et 22 personnages le (mauvais) trip des Russes blancs prenant le large après leur défaite face aux bolcheviques. Ensuite, parce qu’il s’agit du projet le plus personnel de la directrice de La Criée. Ces rêves grinçants, peuplés de « vaincus » écorchés vifs et fantasques (officiers psychopathes ou en perdition, femmes bafouées, artistes de foire, idéalistes en mal d’idéal) lui rappellent étrangement les « cauchemars éveillés » de sa grand-mère, recluse avec son mari dans leur sombre appartement lyonnais après un périple comparable.

Avant d’enclencher la machine à rêves, Macha Makeïeff raconte son histoire en voix off et se met elle-même en scène, enfant. On retrouvera la petite Macha, dans un halo de lumière à la fin de ce fantastique voyage qui nous aura conduits à un train d’enfer de Tauride, en Crimée, puis de Constantinople et Paris, à l’aube des années 1920. La metteuse en scène s’approprie ainsi totalement, intimement, l’oeuvre censurée (comme tant d’autres) par Staline. « La Fuite ! » n’est pourtant pas une quelconque tentative de réhabilitation de la Russie tsariste et de ses partisans, juste une mise en abîme ironique et désespérée de la folie des hommes, de l’absurdité de la guerre civile et de la douleur de l’exil.

DÉCOR ÉBLOUISSANT

Macha Makeïeff, aidée d’une belle troupe de comédiens habités (Pascal Rénéric, Vanessa Fonte, Karyll Elgrichi, Alain Fromager, Vincent Winterhalter, Pierre Hancisse, Sylvain Levitte…) orchestre une grande « fugue » onirique et burlesque, truffée d’images puissantes et de points de suspension mélancoliques. Le grand décor amovible (gare, bureau du renseignement, fête foraine, appartement parisien…) et les costumes variés, signés de la metteuse en scène, sont éblouissants. De même que les lumières bigarrées imaginées par Jean Bellorini, directeur du TGP (le cousinage artistique entre la femme et l’homme de théâtre se confirme ici avec brio).

On n’oubliera pas non plus le fin regard complice d’Angelin Preljocaj porté sur les chorégraphies. Car on danse, on joue de la musique (accordéons, cuivres…) et on chante dans cette « Fuite ! » marseillaise. Le rêve noir de Bougalkov est magnifié par tous les arts. Macha Makeïeff a réussi son pari, en portant à son acmé une forme de théâtre satirique, onirique et flamboyant. Bougalkov, pour rire, pour pleurer… et pour rêver.

Philippe Chevilley

LA FUITE ! de Mikhaïl Boulgakov
Macha Makeïeff, à Marseille Théâtre de La Criée (04 91 54 70 54). Jusqu’au 20 oct. Puis tournée : Nice (7 au 9 nov.), Tarbes (14-15 nov), Corbeil-Essonnes (21 nov.), TGP Saint-Denis (29 nov.-16 Déc.), Toulon Théâtre Liberté (21-22 déc.), Lyon – Célestins (9-13 janv.) Angers Le Quai (19-20 janv.)

Source: Les Echos

16 10/2017

Un soir chez Victor H | Femme Actuelle

lundi 16 octobre 2017|Catégories: Spectacle Vivant|Mots-clés: , |


Thibaut Lacroix, alias Victor Hugo, copyright Hélène Bozzi

Un soir chez Victor H. Mise en scène par Lucie Berelowitsch, avec Thibault Lacroix dans le rôle principal, Un soir chez Victor H est une pièce remarquable, magistralement jouée, à découvrir et faire découvrir à tous les amoureux de Victor Hugo et des séances de spiritisme. Un régal.

Ne manquez pas Un soir chez Victor H, quand cette pièce de théâtre passera dans votre ville, vous ne serez pas déçu. La mise en scène est originale et novatrice – une première partie se déroule en extérieur, comme un théâtre de rue, avant de vous rendre sur scène – carrément – dans un décor approprié où, assis à une table, vous suivez une séance de spiritisme en compagnie de Victor Hugo ! Le grand écrivain, banni par Napoléon le petit, comprenez Napoléon III, a trouvé asile à Jersey, petite île anglo-normande au large de Carteret, de 1853 à 1855. Avant que son exil ne le conduise à Guernesey. Dans leur demeure de Marine Terrace, Victor Hugo est entouré de sa fille Adèle, de son fils Charles et d’Auguste Vacquerie, un ami de la famille. Au début, Victor Hugo doute de la réalité des esprits. Lorsque, au cours d’une séance de spiritisme, sa fille Léopoldine, morte noyée dix ans auparavant, se manifeste, il est définitivement convaincu de leur existence. C’est cette révélation qui nous est donnée de découvrir au cours de ce spectacle.

La mise en scène de Lucie Berelowitsch nous met au cœur de l’action. Nous sommes à la fois les spectateurs et acteurs de cette séance de spiritisme. Les acteurs rôdent autour de nous, nous côtoient, nous prennent à témoin. Le jeu des lumières crée l’ambiance, la diction du meneur de jeu, Thibault Lacroix – alias Victor Hugo –, magistrale, nous envoûte. Il y a du Laurent Terzieff chez ce comédien qui ravira les amateurs de théâtre. Retenez bien son nom, cet acteur est brillant. N’en oublions pas les condisciples, Jonathan Genet, inquiétant en Charles H, Claire Bluteau, séduisante en Adèle H, Jeanne Lazar, troublante en Léopoldine et Vincent Debost, parfait en Auguste Vacquerie.

Depuis quelques années déjà, la production des théâtres de poche est impressionnante et de qualité. Nombre de ces pièces trouvent souvent un second souffle lorsque les critiques et le public unanimes les plébiscitent. Souhaitons qu’il en soit ainsi avec Un soir chez Victor H qui vous fera passer un bon moment de détente, sera sûr d’animer des conversations sur le spiritisme et l’existence ou non d’esprits lors de soirées entre amis et vous permettra de faire connaissance avec toute cette équipe formidable.

En tournée en 2017-2018, les dates sont à venir. Une seule certitude pour l’heure, leur présence en mai 2018 sur la scène nationale de Martigues au Théâtre des Salins.

Marc Gadmer

Source : Femme actuelle 

9 10/2017

La Fuite de Boulgakov ressuscitée par Macha Makeïeff | Sceneweb

lundi 9 octobre 2017|Catégories: Spectacle Vivant|Mots-clés: , |


© photo Pascal Victor/ArtComPress

S’il y a un spectacle qui va marquer la carrière de Macha Makeïeff, c’est bien celui-là. La directrice de La Criée à Marseille fait redécouvrir une pièce oubliée de Boulgakov sur l’exil des russes blancs en 1920. Une pièce de troupe entre la farce et le drame

Les grands-parents de Macha Makeïeff, des russes blancs, ont fui les bolcheviks en 1920 et se sont installés en France. Elle le raconte brièvement au début du spectacle en voix off. La pièce de Boulgakov c’est un peu l’histoire de sa famille déracinée. C’est aussi celle de centaines de milliers d’exilés sur la planète fuyant les régimes autoritaires et les guerres de toutes sortes. Le sort des réfugiés est une matière théâtrale très présente sur les plateaux ; les auteurs contemporains et les metteurs en scène se lancent à corps perdu dans cette thématique. Boulgakov avait déjà tout dit dans cette pièce méconnue et rarement montée en France (il y a eu une adaptation d’Antoine Vitez en 1970 dans une mise en scène de Pierre Debauche aux Amandiers à Nanterre).

Le déshonneur ressenti par les exilés, la perte de leur dignité, la clandestinité et la traversée de la Méditerranée pour rejoindre Marseille : il n’a rien à enlever dans l’écriture de Boulgakov. C’est comme si la pièce avait été écrite aujourd’hui. Il y a une vraie signification pour Macha Makeïeff de créer cette pièce à la Criée en 2017.

La Fuite est une grande fresque dramatique et farcesque découpée en huit songes. Du haut de son atelier qui domine le Vieux-Port, Macha Makeïeff a imaginé un théâtre forain composé d’assemblages d’objets récupérés ou fabriqués pour l’occasion. Jean Bellorini a conçu des lumières exceptionnelles qui illuminent une structure métallique mouvante. On passe du rêve au cauchemar, d’un quai de gare à une église, de Constantinople à Paris. C’est une traversée totalement enivrante, dans une forme qui épouse la tradition du théâtre de tréteaux, en évitant son côté poussiéreux.

La troupe géniale de comédiens interprète une trentaine de personnages qui se croisent dans un ballet frénétique orchestré avec la complicité du voisin Angelin Preljocaj. On retrouve avec un grand bonheur Alain Fromager, formidable ex-ministre du commerce Korzoukine, aérien et léger. Geoffroy Rondeau (génial Trissotin en 2015) campe un général Khloudov inquiétant et trouble, véritable chacal ombrageux. Kallyll Elgrichi est ahurissante dans le rôle du Général Wrangel. Bref, ils sont tous talentueux. On sent une belle énergie et une belle fusion sur le plateau pour incarner cette satire sociale et politique dénonçant la folie de la guerre et les oppressions en tous genres.

Stéphane CAPRON – www.sceneweb.fr

La Fuite !
De Mikhaïl Boulgakov (1891 – 1940)

Adaptation, mise en scène, décor, costumes Macha Makeïeff

Lumières Jean Bellorini
Collaboration Angelin Preljocaj
Avec
Pascal Reneric, Vanessa Fonte, Vincent Winterhalter, Thomas Morris, Geoffroy Rondeau, Alain Fromager, Pierre Hancisse, Arthur Deschamps, Sylvain Levitte, Karyll Elgrichi, Emilie Pictet… et une petite fille.
Conseillère à la langue russe Sophie Bénech Création sonore Sébastien Trouvé Coiffure et maquillage Cécile Kretschmar Assistante à la mise en scène Gaëlle Hermant Assistant lumières Olivier Tisseyre Assistante aux costumes et Atelier Claudine Crauland Assistante à la scénographie et aux accessoires Margot Clavières Intervenante en scénographie Clémence Bezat Régie générale André Neri Iconographe et vidéo Guillaume Cassar Régisseurs plateau Ruddy Denon, Julien Ynesta Fabrication du décor Ateliers du TNP Villeurbanne, stagiaires Pavillon Bosio (Monaco)

Production La Criée – Théâtre national de Marseille
Coproduction Théâtre Gérard Philipe – Centre dramatique national de Saint-Denis
Durée: 3h20 avec entracte

La Criée – Théâtre national de Marseille
Du 6 au 20 octobre 2017
Théâtre National de Nice > 7 au 9 novembre 2017
Le Parvis – Scène Nationale Tarbes Pyrénnées > 14 et 15 novembre 2017
Espace Jean Legendre à Compiègne > 21 novembre 2017
Théâtre Gérard Philippe – Centre dramatique national de Saint-Denis > 29 novembre au 17 décembre 2017
Théâtre Liberté – Scène Nationale de Toulon > 21 et 22 décembre 2017
Théâtre Les Célestins à Lyon > 9 au 13 janvier 2018
Théâtre du Beauvaisis > 5 et 6 avril 2017
Le Quai, Centre dramatique national d’Angers > 19 et 20 janvier 2018

Source: Sceneweb

3 07/2017

FESTIVAL ARTE FLAMENCO

lundi 3 juillet 2017|Catégories: Spectacle Vivant|Mots-clés: |

Jeune pousse.

Le Flamenco féministe de Patricia Guerrero.

Par Rosita Boisseau – le Monde Mag Samedi 1 juillet 2017

© Catedral Archivo Bienal. Fotógrafo Óscar Romero 2.

Charme juvénile et force bouillonnante. À 27 ans, Patricia Guerrero, étoile du amenco repérée en 2013 dans le spectacle Flamenco Hoy de Carlos Saura, commence à beaucoup faire parler d’elle. Mais l’Espagnole ne se contente pas d’être le nouvel espoir du genre, elle interroge la place des femmes dans la société. À l’image de Catedral, son nouveau spectacle, à l’a che du festival Arte Flamenco à Mont-de-Marsan le 5 juillet. « On y voit l’évolution d’une femme qui a trop longtemps subi l’oppression et trouve en n la force de sa libération, explique-t- elle. Au départ, le personnage que j’incarne est enfermé dans des dogmes et ne peut même pas danser. » Rude exercice de rete- nue pour une jeune femme convertie au mouvement permanent depuis ses 3 ans, dans sa ville natale de Grenade. « J’y ai été initiée par ma mère, Maria del Carmen Guerrero, également danseuse, qui m’a transmis l’amour pour cet art et m’a ensei- gné mes premiers pas, jusqu’à ce qu’elle réalise que j’avais de réelles aptitudes, pour- suit-elle. J’ai continué avec Stella Arauzo

pour me retrouver dans un tablao [un caba- ret] à 14 ans. » La même année, elle intègre la compagnie de Mario Maya avant d’aller parfaire ses apprentissages à Séville.

En 2005 – à 15 ans seulement –, elle décroche le prix prestigieux du concours d’Ubrique, puis est sacrée «révélation» à la Biennale de Séville en 2012, et crée sa com- pagnie. Parmi les femmes qui comptent actuellement dans le amenco comme Sara Baras, Rafaela Carrasco ou Rocío Molina, Patricia Guerrero se fau le avec grâce et mordant. « Je me sens plus proche d’elles maintenant mais elles restent mes réfé- rences, commente-t-elle. J’ai toujours consi- déré Rocío, par exemple, comme l’une de mes maestras. Mais à chaque fois que je suis programmée dans les mêmes tournées, sur les mêmes scènes qu’elles, je sais que je peux me projeter dans le futur avec un style di é- rent, rien qu’à moi. Chacun cherche son propre langage dans le amenco. » Le sien combine liberté et théâtralité. Patricia Guer- rero partage le plateau de Catedral avec un ténor et un contre-ténor, et convoque des airs lyriques tout autant que des chants d’église. « Ce sont de vrais personnages dans le spectacle », précise-t-elle. Ce qui ne l’em- pêchera pas de danser jusqu’à plus soif.

Catedral, de Patricia Guerrero et Juan Dolores Caballero. Le 5 juillet à Arte Flamenco,
à Mont-de-Marsan, arte amenco.landes.fr

3 07/2017

FESTIVAL ARTE FLAMENCO

lundi 3 juillet 2017|Catégories: Spectacle Vivant|Mots-clés: |

ARTE FLAMENCO 2017 : Patricia Guerrero parmi les têtes d’affiche
Par Culturebox (avec AFP) @Culturebox
Publié le 02/07/2017 à 16H32
Cristina Quicler / AFP

CULTUREBOXÀ partir de lundi, la ville de Mont-de-Marsan va vibrer aux sons et aux rythmes andalous pour le 29e Arte Flamenco (3-8 juillet 2017), le plus grand festival flamenco hors d’Espagne, où sont notamment attendus la danseuse Patricia Guerrero et la dynastie familiale des Habichuela.
Cette 29e édition est dédiée à l’ancien député PS, Henri Emmanuelli, président du Conseil départemental des Landes pendant trente ans et décédé le 21 mars dernier. « C’est une édition particulière parce que celui qui en a été à l’origine nous a quittés, on met tout notre coeur à lui rendre hommage », a souligné pour l’AFP, Sandrine Rabassa, directrice artistique du festival qui attire chaque année plus de 28.000 personnes.
Festival Arte Flamenco, en route pour la 29e édition
28 représentations réparties sur quatre scènes
Pas moins de 28 représentations sont proposées sur quatre scènes. Le festival s’ouvre lundi par une « fantaisie musicale et chorégraphique » du Ballet Flamenco de Andalucía, un hommage au grand chanteur sévillan du XIXe siècle Silverio Franconetti, porté par le jeune Rafael Estévez, nouveau directeur artistique de cette institution de l’art andalou.

La danseuse Patricia Guerrero propose mercredi son spectacle « Catedral », plaidoyer contre les conventions sociales et sur la libération des femmes, avec la présence sur scène – rare en flamenco – d’un ténor et d’un contre-ténor, frères jumeaux. L’artiste de Grenade sera de retour sur scène en clôture samedi pour le dîner-spectacle de gala avec Juana Amaya, Olga Pericet et Jesús Carmona.
À côté du plus classique Pedro El Granaino dans un récital guitare-voix et du jeune danseur Barullo vendredi, la danseuse Rosario Toledo, venue de Cadix, se produira jeudi. « C’est une danseuse empreinte d’une liberté absolue, nécessaire dans notre monde douloureux », estime Sandrine Rabassa, citée par l’AFP. En deuxième partie, les amateurs du genre attendront aussi de pied ferme la dynastie Habichuela pour une rencontre entre grands-pères, oncles, cousins et frères réunis sur scène, ce qui n’est pas si fréquent.
De nombreux spectacles gratuits
Comme chaque année, Arte Flamenco propose de nombreux spectacles gratuits dans la ville, à l’image du flamenco de rue de Leilah Broukhim, la danseuse new-yorkaise aux parents iraniens séfarades. Le saxophoniste flamenco d’avant-garde Angel jouera sur les pas de danse du prometteur Alejandro Rodriguez.

Pour le jeune public, une version du « Petit Prince » sauce flamenca doit être proposée mercredi par des écoliers landais au côté de la chorégraphe Anabel Veloso.

Arte Flamenco, du 3 au 8 juillet 2017 à Mont-de-Marsan
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> Infos pratiques

18 05/2017

Poignards, intrigues, poisons et maléfices à Tirana | L’Humanité

jeudi 18 mai 2017|Catégories: Spectacle Vivant|Mots-clés: , |

Luiza Xhuvani joue une Lucrèce Borgia tout en fêlures, toujours ancrée dans le registre de la tragédie. Kristo Calat/Teatri Kombetar

Éric Vigner met en scène Lucrèce Borgia avec la troupe du Théâtre national d’Albanie. Le drame de Victor Hugo, qui se trame sous le règne d’un clan tyrannique, résonne singulièrement dans ce pays longtemps étranglé par une féroce dictature.

Au crépitement d’un néon, une silhouette féminine prend forme, spectrale, dans un grondement d’orage, puis s’efface. Au centre du plateau, comme un totem dont on ne distingue jamais la cime, s’élève une réplique de la Colonne sans fin de Constantin Brâncusi, allumée par les reflets mordorés d’un interminable crépuscule. Sur la scène à l’italienne du Théâtre national d’Albanie, vouée à une destruction prochaine, Éric Vigner met en scène Lucrèce Borgia. Il déplie en plasticien ce drame tragique de Victor Hugo au gré de tableaux aussi lugubres que cette intrigue se tramant dans l’Italie du XVe siècle, sous le règne d’un clan tyrannique, corrompu et décadent. Le crissement d’un sabre qu’on aiguise rythme d’abord le récit glaçant de l’inceste et du sang versé, celui de l’assassinat de Jean Borgia par son frère César, par amour pour leur sœur, Lucrèce. Gennaro, endormi, n’entendra rien du secret de ses origines. Dès l’instant où elle se penche sur le sommeil de ce jeune capitaine, Luiza Xhuvani joue une Lucrèce Borgia tout en fêlures, toujours ancrée dans le registre de la tragédie. Sous la femme machiavélique, criminelle et dépravée, perce d’emblée, dans les modulations de l’actrice, dans la tension de son jeu, la quête de salut, la certitude que l’amour maternel peut laver les péchés d’une infâme lignée. Dans le clair-obscur d’un inquiétant carnaval, l’inversion des valeurs opère chez elle à contre-courant et derrière les masques, la métamorphose est déjà là, lorsque la mère et le fils, lovés dans la même pelisse de laine blanche, entament une valse étrange et ambiguë.

Les ondoiements de la lumière

Autour de la colonne, le ballet macabre du soupçon et des représailles les emporte pourtant, comme il emporte encore de nos jours les montagnards albanais pris au piège du kanun, ce code d’honneur hérité de l’Empire ottoman qui perpétue la loi du talion. L’oppression porte ici un nom, Borgia, qui surgit, sur scène, en lettres blanches en trois dimensions, comme celles qui peuplent les parcs de Tirana. Dans la déambulation autour de ces caractères, la révolte gronde et résonne dans une mémoire collective encore meurtrie par un demi-siècle de dictature féroce, de huis clos suffocant. Dans un geste de rébellion, Gennaro fait tomber l’initiale, « Orgia » claque finalement comme l’un de ces slogans de pierre dont Enver Hoxha parsemait les paysages, à la gloire du Parti et de son chef aussi despotique que paranoïaque. Au flanc des montagnes, on aperçoit toujours ces inscriptions démentes, des esprits libres en ont détourné le sens, « Enver » est devenu « Never »… Sur scène, la répression revêt la forme d’un cérémonial d’empoisonnement qui se déploie et se répète à l’ombre d’un rideau noir frappé de l’aigle bicéphale, le symbole national qui orne le drapeau. Toujours ambivalente, Lucrèce parvient à soustraire Gennaro aux foudres de son époux jaloux, le duc Alphonse, mais perd, par vengeance, les compagnons du jeune capitaine. Le voile noir se lève, tombe un rideau doré, gigantesque couverture de survie prête à envelopper le dernier souffle de la monstrueuse héroïne en quête d’une impossible renaissance. Le tonnerre ponctue le matricide et, comme au début, c’est la musique qui meut les protagonistes et semble précipiter ce passage à l’acte sacrificiel. Sur le fil de la mort, Gennaro apprend dans une explosion de douleur le secret de sa filiation. Il tombe au pied de la Colonne sans fin, finalement happée par les ténèbres. Le jeu torrentueux des acteurs de la troupe du Théâtre national d’Albanie, formés à l’école russe, se confronte ici à la scénographie picturale d’Eric Vigner, donnant un souffle épique à ce drame classique. Dans cette recherche, tout se noue dans les ondoiements de la lumière. « On sait ce que la couleur et la lumière perdent à la réflexion simple, remarquait Victor Hugo dans la préface de Cromwell. Il faut donc que le drame soit un miroir de concentration qui, loin de les affaiblir, ramasse et condense les rayons colorants, qui fasse d’une lueur une lumière, d’une lumière une flamme. Alors seulement, le drame est voué à l’art. » D’une création à l’autre, Éric Vigner tisse une cohérence artistique qui fait du théâtre un point d’optique.

Tournée française : du 12 au 19 novembre au TNB, Théâtre national de Bretagne, dans le cadre du festival Mettre en scène.

À lire : Éric Vigner, 48 Entrées en scène, Éditions Les Solitaires intempestifs. Un théâtre plasticien, sous la direction de Sandrine Morsillo, Éditions l’Harmattan.

Rosa Moussaoui – Journaliste à la rubrique Monde

Source : L’Humanité