Litterature extended* – Reportages – mouvement.net
Litterature extended*
les mots sont venus s’ébattre hors du livre au Festival Extra! au Centre Pompidou. Lecteur indiscipliné, Mouvement a tendu les yeux et les oreilles ici et là. Florilège non exhaustif.
Par Natacha Margotteaupublié le 15 septembre 2017
Source : Litterature extended* – Reportages – mouvement.net
Martine Aballéa, Le Salon dans la vallée © Martine Aballéa Dans un même espace ouvert tout se croise, projections d’archives de poésie sonore sur les murs, performances en salon ouvert, tables rondes où auteurs/artistes/performers, universitaires, éditeurs viennent penser ce qui est fait et comment cela se fait, retransmis en direct par Radio Brouhaha. Joindre le geste, la parole, la pensée et le corps ; le passé dans le présent comme une même durée créatrice. Ainsi Roger Chartier, historien du livre et de la lecture au Collège de France, de nous rappeler que « très tôt la littérature sort des livres. Par les adaptations théâtrales, les représentations iconographiques, la transmission orale ». Aurait-on même oublié que la littérature précédait même l’invention du livre ? Que l’on parle de la création littéraire et/ou de sa diffusion.
Auteur, écrire des livres ? Ou encore n’écrire que des livres ? Cela fait bien des décennies qu’on utilise le contenant pour le contenu, que le mot livre vient désigner littérature au point de la recouvrir. Comme la partie pour le tout – dire la gauche et penser PS (avant avril 2017), l’Amérique pour les États-Unis. Un glissement de sens qui rogne le tout de la littérature, comme un « ensemble des productions intellectuelles qui se lisent et s’écoutent ». Extra! invite à sortir hors des sentiers rebattus. Pour Jean-Max Colard (programmateur d’Extra! Et chef du service de la Parole au Centre) « l’hégémonie du livre est une époque révolue. La production littéraire est une activité qui s’étend hors du livre – pour ne pas dire s’échappe car il ne s’agit pas d’aller contre le livre. Elle investit d’autres champs. Ce n’est pas une affaire de générations. On a des artistes qui construisent leur expérience littéraire ailleurs que dans et par les livres ».
De la littérature comme art contemporain
La littérature faite corps se tient debout au milieu du Salon dans la vallée. Laura Vazquez, Arno Calleja et Simon Allonneau font de la poésie sonore in situ et in vivo : des textes écrits pour être dits et incarnés avant de trouver le support livre, s’ils le trouvent. Les deux premiers étaient là pour nous faire entendre leurs Astro poèmes, aux prévisions déroutantes révolutionnant ainsi l’art des signes. Lauréate du prix de la poésie 2014, très active sur les vidéos performances, Laura Vazquez signe sa littérature d’un timbre lancinant, fait d’anaphores hypnotisantes. Procédé étrangement antalgique pour des phrases qui s’emparent de la réalité au scalpel. Tout aussi incisif, Simon Allonneau en frontal envisage de « Chanter la Marseillaise sur le mode interrogatif ». Masse et débit granitiques, mouvement minimaliste et obsessionnel de la main droite qui accroche le regard et aiguise des phrases fulgurantes dont le caractère faussement naïf décape la réalité de tout apprêt.
Autre style, apparemment plus posé, Emmanuelle Pireyre, prix Médicis avec sa Féérie générale, nous entraîne dans son algorithme le temps d’une websession. L’artiste qui navigue sans complexe entre livre, chanson et vidéo, lie son écriture à un univers connecté. De Youtube (musiques, séries…) à des archives en ligne (journaux, Ina, plateforme HAL…), elle nous raconte comment « la fiction pousse » à partir d’un questionnement sur l’homme-chien. « Bombarder de documents, comment on fait un livre avec tout ça. J’envisage la littérature comme une grammaire dans laquelle on ferait entrer des choses. La littérature, c’est une syntaxe singulière, rigoureuse et un peu folle. »
Ecrire-écouter-lire
« La question de la matérialité se déporte sur le relationnel. Entrer dans la littérature, c’est entrer dans le lieu des usages, le partage, la sociabilité », souligne François Bon, auteur et figure de proue de la littérature numérique. Et ceci interpelle tant au niveau de la création que de la diffusion ou de la réception. La littérature hors-livre convoque l’autre dans une présence signifiante et immédiate. Comment s’y tenir en tant que « lecteur » ? C’est encore une question de corps, d’espace et de temps.
25 minutes, c’est le temps que Julien Bismuth s’impartit pour écrire une page pleine sur son ordinateur, image projetée. Trois jours de suite. Nouveau jour, nouvelle page. Dernière minute, dernier mot et inversement. Il n’est pas question ici d’écrire un livre, le texte est improvisé et a pour sujet la performance elle-même. Julien Bismuth est un « non-écrivain » qui interroge les conditions d’existence du langage et ses utilisations ; ici l’écrire et le lire : « un texte est une réalité qui exige une forme de lecture ou d’écoute ou de compréhension ». Assis sur des bancs ou debout autour de l’artiste, à quoi assiste-t-on ?
Performance de Julien Bismuth au Centre Pompidou. p. Hervé Veronese
Ce n’est pas tant le sujet ou la manière d’écrire qui ici agite mais la situation d’énonciation qui est mise en place, une conversation silencieuse mettant à jour un geste d’écriture et un contexte de lecture. Topos de la page blanche évincé au profit de la contrainte temporelle. Tranquille au début, la respiration de l’auteur se fait plus haletante, inquiète, les doigts se frottent et se touchent plus nerveusement. Le curseur efface, revient en arrière, pour corriger une faute, reprendre une formule ou réécrire la même chose. « C’est drôle, le texte existe sous différentes formes. On est nombreux à prendre des photos du texte projeté mais à des moments différents. On aura des traces différentes, une œuvre à plusieurs temps. Et lui, il sauvegarde ce qu’il fait ? » s’interroge une « lectrice-spectatrice ». Julien Bismuth sauvegarde le fichier de chaque jour et fait une capture vidéo du temps de l’écriture. Ce qui l’intéresse : « quand la lecture se déplace sans cesse, elle est sans cesse bousculée, désaxée, déconstruite même par ce qui se passe autour ».
*Litterature extended, expression empruntée à Jean- Max Colard
Extra ! a eu lieu du 8 au 10 septembre au Centre Pompidou, Paris
La littérature fait sa mue au festival Extra ! – Livres
En marge de la rentrée littéraire, le festival Extra explore les littératures « hors livre » pendant cinq jours au Centre Pompidou.
Source : La littérature fait sa mue au festival Extra ! – Livres
La littérature fait sa mue au festival Extra !
Esther Attias | Le 08/09 à 06:00, mis à jour le 11/09 à 08:56
Derrière le concept du « hors livre » se logent toutes les occurrences littéraires existant par d’autres formats que le livre imprimé : la performance artistique, l’écriture numérique, le film poème, la lecture à haute voix, le rap, le slam… soit toute forme d’art plastique ou audiovisuel revendiquant un geste littéraire. Aussi, il n’est pas étonnant que le Centre-Pompidou, qui célèbre l’innovation artistique depuis sa création en 1977, se soit emparé de cette forme d’expression éclatée. Jean Max Collard, programmateur d’Extra ! et chef du département « Parole » au Centre Pompidou, insiste : « ce festival se dresse contre ceux qui disent que la littérature s’est repliée sur elle-même. De nouvelles formes littéraires naissent dans le sillage du numérique. Extra ! met en avant cette reconfiguration du paysage, en proposant des formes alternatives. »
Ces proliférations littéraires sont encore peu familières au grand public. Peu visibles, diffusées de manière sporadique, attirant un public de niche, les littératures hors livre laissent par définition peu de traces. Dès lors, pour Serge Lasvignes, directeur du Centre Pompidou, la création d’un prix devrait permettre de graver ces formes d’art dans la pierre des institutions. La figure tutélaire de Bernard Heidsieck s’est imposée d’emblée, souligne Jean-Max Collard. Lauréat 1991 du grand prix national de la poésie, pionnier de la « poésie sonore », invité régulier du Centre Pompidou, il défendait le renouvellement des formes poétiques par le biais de médias dissidents comme le magnétophone et la performance physique.
C’est Caroline Bergvall, artiste franco norvégienne connue pour ses créations visuelles et sonores, a reçu ce premier prix Bernard Heidsieck – Centre Pompidou de l’année 2017. Elle se réjouit de cette évolution du champ de la littérature : « je me perçois comme une écrivain qui travaille le livre mais aussi l’ailleurs du livre. J’écris, et j’utilise aussi d’autres supports : le dessin, la vidéo, la performance, qui sont aussi des formes d’écritures. » Les deux autres récipiendaires sont John Giorno, récompensé pour l’ensemble de son oeuvre, et Lamberto Pignotti, qui obtient la mention spéciale Fondazione Bonotto, partenaire et mécène du prix.
FORMES MILLÉNAIRES
Tout en explorant le futur, le festival renoue avec des formes de littérature millénaires. Les chants d’Homère, les contes populaires, le théâtre même relèvent à l’origine d’une littérature strictement orale – et « poème » vient du latin carmen, chant. Dès lors, le livre pourrait n’être qu’un moment d’une longue histoire littéraire qui basculerait demain sur d’autres supports, numériques, plastiques, sonores, visuels… et les temps changent déjà : le prix Nobel de littérature 2016 n’a-t-il pas été remis au chanteur Bob Dylan ?
image: https://www.lesechos.fr/medias/2017/09/11/2112900_la-litterature-fait-sa-mue-au-festival-extra-web-tete-030539180654.jpg
– ©Hervé Veronese
On ne manquera pas durant ces quelques jours « extras » les performances de l’auteur performeur Julien Bismuth, qui écrira tous les jours à 18h30 face au public, et dont le texte en train de se faire sera projeté en direct ; le showcase du rapport Elom 20ce (vendredi 20h30) et le spectacle libertin de Catherine Robbe-Grillet (samedi 20h) qui promet bien des plaisirs ; dans le sillon de la rentrée littéraire, Joy Sorman, Célia Houdart et Yannick Haenel (19h jeudi, samedi et dimanche) viendront parler de leur dernier roman. Littérature sonore, nous voilà !
EXTRA!
Paris, Centre Pomidou, jusqu’au 10 septembre, www.centrepompidou.fr
En savoir plus sur https://www.lesechos.fr/week-end/culture/livres/030538705872-la-litterature-fait-sa-mue-au-festival-extra-2112900.php#kbehc6TPBIEd8SOF.99
FESTIVAL ARTE FLAMENCO
Jeune pousse.
Le Flamenco féministe de Patricia Guerrero.
Par Rosita Boisseau – le Monde Mag Samedi 1 juillet 2017
© Catedral Archivo Bienal. Fotógrafo Óscar Romero 2.
Charme juvénile et force bouillonnante. À 27 ans, Patricia Guerrero, étoile du amenco repérée en 2013 dans le spectacle Flamenco Hoy de Carlos Saura, commence à beaucoup faire parler d’elle. Mais l’Espagnole ne se contente pas d’être le nouvel espoir du genre, elle interroge la place des femmes dans la société. À l’image de Catedral, son nouveau spectacle, à l’a che du festival Arte Flamenco à Mont-de-Marsan le 5 juillet. « On y voit l’évolution d’une femme qui a trop longtemps subi l’oppression et trouve en n la force de sa libération, explique-t- elle. Au départ, le personnage que j’incarne est enfermé dans des dogmes et ne peut même pas danser. » Rude exercice de rete- nue pour une jeune femme convertie au mouvement permanent depuis ses 3 ans, dans sa ville natale de Grenade. « J’y ai été initiée par ma mère, Maria del Carmen Guerrero, également danseuse, qui m’a transmis l’amour pour cet art et m’a ensei- gné mes premiers pas, jusqu’à ce qu’elle réalise que j’avais de réelles aptitudes, pour- suit-elle. J’ai continué avec Stella Arauzo
pour me retrouver dans un tablao [un caba- ret] à 14 ans. » La même année, elle intègre la compagnie de Mario Maya avant d’aller parfaire ses apprentissages à Séville.
En 2005 – à 15 ans seulement –, elle décroche le prix prestigieux du concours d’Ubrique, puis est sacrée «révélation» à la Biennale de Séville en 2012, et crée sa com- pagnie. Parmi les femmes qui comptent actuellement dans le amenco comme Sara Baras, Rafaela Carrasco ou Rocío Molina, Patricia Guerrero se fau le avec grâce et mordant. « Je me sens plus proche d’elles maintenant mais elles restent mes réfé- rences, commente-t-elle. J’ai toujours consi- déré Rocío, par exemple, comme l’une de mes maestras. Mais à chaque fois que je suis programmée dans les mêmes tournées, sur les mêmes scènes qu’elles, je sais que je peux me projeter dans le futur avec un style di é- rent, rien qu’à moi. Chacun cherche son propre langage dans le amenco. » Le sien combine liberté et théâtralité. Patricia Guer- rero partage le plateau de Catedral avec un ténor et un contre-ténor, et convoque des airs lyriques tout autant que des chants d’église. « Ce sont de vrais personnages dans le spectacle », précise-t-elle. Ce qui ne l’em- pêchera pas de danser jusqu’à plus soif.
Catedral, de Patricia Guerrero et Juan Dolores Caballero. Le 5 juillet à Arte Flamenco, à Mont-de-Marsan, arte amenco.landes.fr
FESTIVAL ARTE FLAMENCO
ARTE FLAMENCO 2017 : Patricia Guerrero parmi les têtes d’affiche
Par Culturebox (avec AFP) @Culturebox
Publié le 02/07/2017 à 16H32
Cristina Quicler / AFP
CULTUREBOXÀ partir de lundi, la ville de Mont-de-Marsan va vibrer aux sons et aux rythmes andalous pour le 29e Arte Flamenco (3-8 juillet 2017), le plus grand festival flamenco hors d’Espagne, où sont notamment attendus la danseuse Patricia Guerrero et la dynastie familiale des Habichuela.
Cette 29e édition est dédiée à l’ancien député PS, Henri Emmanuelli, président du Conseil départemental des Landes pendant trente ans et décédé le 21 mars dernier. « C’est une édition particulière parce que celui qui en a été à l’origine nous a quittés, on met tout notre coeur à lui rendre hommage », a souligné pour l’AFP, Sandrine Rabassa, directrice artistique du festival qui attire chaque année plus de 28.000 personnes.
Festival Arte Flamenco, en route pour la 29e édition
28 représentations réparties sur quatre scènes
Pas moins de 28 représentations sont proposées sur quatre scènes. Le festival s’ouvre lundi par une « fantaisie musicale et chorégraphique » du Ballet Flamenco de Andalucía, un hommage au grand chanteur sévillan du XIXe siècle Silverio Franconetti, porté par le jeune Rafael Estévez, nouveau directeur artistique de cette institution de l’art andalou.
La danseuse Patricia Guerrero propose mercredi son spectacle « Catedral », plaidoyer contre les conventions sociales et sur la libération des femmes, avec la présence sur scène – rare en flamenco – d’un ténor et d’un contre-ténor, frères jumeaux. L’artiste de Grenade sera de retour sur scène en clôture samedi pour le dîner-spectacle de gala avec Juana Amaya, Olga Pericet et Jesús Carmona.
À côté du plus classique Pedro El Granaino dans un récital guitare-voix et du jeune danseur Barullo vendredi, la danseuse Rosario Toledo, venue de Cadix, se produira jeudi. « C’est une danseuse empreinte d’une liberté absolue, nécessaire dans notre monde douloureux », estime Sandrine Rabassa, citée par l’AFP. En deuxième partie, les amateurs du genre attendront aussi de pied ferme la dynastie Habichuela pour une rencontre entre grands-pères, oncles, cousins et frères réunis sur scène, ce qui n’est pas si fréquent.
De nombreux spectacles gratuits
Comme chaque année, Arte Flamenco propose de nombreux spectacles gratuits dans la ville, à l’image du flamenco de rue de Leilah Broukhim, la danseuse new-yorkaise aux parents iraniens séfarades. Le saxophoniste flamenco d’avant-garde Angel jouera sur les pas de danse du prometteur Alejandro Rodriguez.
Pour le jeune public, une version du « Petit Prince » sauce flamenca doit être proposée mercredi par des écoliers landais au côté de la chorégraphe Anabel Veloso.
Arte Flamenco, du 3 au 8 juillet 2017 à Mont-de-Marsan
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Poignards, intrigues, poisons et maléfices à Tirana | L’Humanité
Luiza Xhuvani joue une Lucrèce Borgia tout en fêlures, toujours ancrée dans le registre de la tragédie. Kristo Calat/Teatri Kombetar
Éric Vigner met en scène Lucrèce Borgia avec la troupe du Théâtre national d’Albanie. Le drame de Victor Hugo, qui se trame sous le règne d’un clan tyrannique, résonne singulièrement dans ce pays longtemps étranglé par une féroce dictature.
Au crépitement d’un néon, une silhouette féminine prend forme, spectrale, dans un grondement d’orage, puis s’efface. Au centre du plateau, comme un totem dont on ne distingue jamais la cime, s’élève une réplique de la Colonne sans fin de Constantin Brâncusi, allumée par les reflets mordorés d’un interminable crépuscule. Sur la scène à l’italienne du Théâtre national d’Albanie, vouée à une destruction prochaine, Éric Vigner met en scène Lucrèce Borgia. Il déplie en plasticien ce drame tragique de Victor Hugo au gré de tableaux aussi lugubres que cette intrigue se tramant dans l’Italie du XVe siècle, sous le règne d’un clan tyrannique, corrompu et décadent. Le crissement d’un sabre qu’on aiguise rythme d’abord le récit glaçant de l’inceste et du sang versé, celui de l’assassinat de Jean Borgia par son frère César, par amour pour leur sœur, Lucrèce. Gennaro, endormi, n’entendra rien du secret de ses origines. Dès l’instant où elle se penche sur le sommeil de ce jeune capitaine, Luiza Xhuvani joue une Lucrèce Borgia tout en fêlures, toujours ancrée dans le registre de la tragédie. Sous la femme machiavélique, criminelle et dépravée, perce d’emblée, dans les modulations de l’actrice, dans la tension de son jeu, la quête de salut, la certitude que l’amour maternel peut laver les péchés d’une infâme lignée. Dans le clair-obscur d’un inquiétant carnaval, l’inversion des valeurs opère chez elle à contre-courant et derrière les masques, la métamorphose est déjà là, lorsque la mère et le fils, lovés dans la même pelisse de laine blanche, entament une valse étrange et ambiguë.
Les ondoiements de la lumière
Autour de la colonne, le ballet macabre du soupçon et des représailles les emporte pourtant, comme il emporte encore de nos jours les montagnards albanais pris au piège du kanun, ce code d’honneur hérité de l’Empire ottoman qui perpétue la loi du talion. L’oppression porte ici un nom, Borgia, qui surgit, sur scène, en lettres blanches en trois dimensions, comme celles qui peuplent les parcs de Tirana. Dans la déambulation autour de ces caractères, la révolte gronde et résonne dans une mémoire collective encore meurtrie par un demi-siècle de dictature féroce, de huis clos suffocant. Dans un geste de rébellion, Gennaro fait tomber l’initiale, « Orgia » claque finalement comme l’un de ces slogans de pierre dont Enver Hoxha parsemait les paysages, à la gloire du Parti et de son chef aussi despotique que paranoïaque. Au flanc des montagnes, on aperçoit toujours ces inscriptions démentes, des esprits libres en ont détourné le sens, « Enver » est devenu « Never »… Sur scène, la répression revêt la forme d’un cérémonial d’empoisonnement qui se déploie et se répète à l’ombre d’un rideau noir frappé de l’aigle bicéphale, le symbole national qui orne le drapeau. Toujours ambivalente, Lucrèce parvient à soustraire Gennaro aux foudres de son époux jaloux, le duc Alphonse, mais perd, par vengeance, les compagnons du jeune capitaine. Le voile noir se lève, tombe un rideau doré, gigantesque couverture de survie prête à envelopper le dernier souffle de la monstrueuse héroïne en quête d’une impossible renaissance. Le tonnerre ponctue le matricide et, comme au début, c’est la musique qui meut les protagonistes et semble précipiter ce passage à l’acte sacrificiel. Sur le fil de la mort, Gennaro apprend dans une explosion de douleur le secret de sa filiation. Il tombe au pied de la Colonne sans fin, finalement happée par les ténèbres. Le jeu torrentueux des acteurs de la troupe du Théâtre national d’Albanie, formés à l’école russe, se confronte ici à la scénographie picturale d’Eric Vigner, donnant un souffle épique à ce drame classique. Dans cette recherche, tout se noue dans les ondoiements de la lumière. « On sait ce que la couleur et la lumière perdent à la réflexion simple, remarquait Victor Hugo dans la préface de Cromwell. Il faut donc que le drame soit un miroir de concentration qui, loin de les affaiblir, ramasse et condense les rayons colorants, qui fasse d’une lueur une lumière, d’une lumière une flamme. Alors seulement, le drame est voué à l’art. » D’une création à l’autre, Éric Vigner tisse une cohérence artistique qui fait du théâtre un point d’optique.
Tournée française : du 12 au 19 novembre au TNB, Théâtre national de Bretagne, dans le cadre du festival Mettre en scène.
À lire : Éric Vigner, 48 Entrées en scène, Éditions Les Solitaires intempestifs. Un théâtre plasticien, sous la direction de Sandrine Morsillo, Éditions l’Harmattan.
Rosa Moussaoui – Journaliste à la rubrique Monde
Source : L’Humanité
Irina Brook : « J’aimerais être beaucoup plus révolutionnaire ! » | Profession Spectacle
Actrice et metteur en scène franco-britannique, Irina Brook est tombée dedans quand elle était petite : fille de Peter Brook et de l’actrice Natasha Parry, elle se forme aux États-Unis avant de rejoindre l’Angleterre, puis la France, où elle s’attache à la mise en scène avec, comme figure tutélaire, William Shakespeare. Couronnée par deux Molière, Irina Brook est nommée en 2014, pour trois ans, à la tête du théâtre national de Nice, mission qui vient d’être renouvelée au début de l’année 2017. Rencontre.
Vous avez été reconduite à la tête du Théâtre National de Nice pour une période de trois ans, jusqu’en 2020. Comment décririez-vous votre parcours ?
Je suis passée d’actrice à metteur en scène à la fin des années 1990. Alors, j’étais libre comme l’air, suivant simplement mes aspirations artistiques et créatives. En France, à la différence des autres pays, il y a toujours un moment où un metteur en scène est invité à diriger une maison, un théâtre. Il arrive un moment, et c’est spécifique à la France, où l’on ne peut pas aller plus loin, si l’on ne rentre pas dans ce système. J’avais toujours dit que cela ne m’intéressait pas car le plus important pour moi était d’être libre, de ne pas être obligée de rester quelque part à plein temps. Ce que j’ai beaucoup aimé dans mon travail de metteur en scène, ce fut également de tourner ; je pense que je suis assez gitane dans l’âme, j’ai aimé voyager et bouger constamment.
Vous avez été en Angleterre et aux États-Unis avant cela ?
Je n’ai jamais vraiment tenu en place nulle part. C’était très bien pour moi de pouvoir constamment me déplacer avec les spectacles, de théâtre en théâtre, de ville en ville, de public en public, comme avec un cirque. C’est, pour moi, l’un des grands intérêts de la mise en scène. Mais il y a trois ans environ, j’ai pris conscience que, comme metteur en scène, j’avais aussi besoin d’un lieu, car il arrive un moment où le metteur en scène est à la merci des directeurs de lieux, qui ont tout le pouvoir. L’artiste n’a pas beaucoup de possibilité s’il n’a pas de lieu. Il faut absolument être dans les bonnes grâces d’un directeur. C’est ainsi que j’ai compris pourquoi tout le monde finissait par diriger des théâtres.
Je suis une enfant des années 70 et mon rêve a toujours été La Cartoucherie de Vincennes et j’ai toujours cru, depuis vingt ans, que je pourrais créer ma propre Cartoucherie. Plusieurs fois, je suis allée au ministère demander des subventions. Peu avant de me proposer pour Nice, j’étais encore allée voir le ministère car j’avais la possibilité de m’installer dans une vieille friche à Ris-Orangis, en région parisienne. Le maire de l’époque, Thierry Mandon, m’avait proposé de reprendre une friche pour en faire un théâtre dans son éco-village, ce qui me semblait absolument génial. J’étais partie au ministère pour tenter d’y trouver des subventions afin de créer ce lieu. On m’y a répondu que c’était impossible de créer de nouveaux lieux aujourd’hui, qu’il fallait que je me propose pour diriger un CDN.
Quelles sont les raisons qui ont été invoquées pour expliquer l’impossibilité de créer un nouveau lieu ?
Il semble que je sois née à la mauvaise époque. Dans les années 80, tout était en floraison, on pouvait encore imaginer des Cartoucheries, des Bouffes, des lieux extraordinaires, mais cela s’est vraiment ralenti malgré quelques exceptions. Nous ne sommes plus à cette époque où l’on pouvait rêver d’un lieu créé spécialement sur mesure. Selon le ministère, le plus judicieux était de déplacer les artistes d’un endroit à un autre, afin de diriger toutes ces maisons qui en ont besoin. J’avais dans l’idée de récupérer un bâtiment en friche, de le reconstruire en bois, de l’appeler le Dream Théâtre, d’en faire quelque chose de complètement alternatif… On m’a poussée à proposer ma candidature pour diriger le théâtre de Nice. J’ai failli tomber de ma chaise.
L’aspect intéressant, c’est qu’il s’agissait d’un des seuls CDN que je connaissais bien : on allait y jouer chaque année avec la compagnie. J’avais une affection particulière pour ce théâtre, car je trouvais le public extraordinaire, en dépit des a priori que l’on peut avoir sur Nice, la Côte-d’Azur… Je ne sais pas si j’aurais éprouvé la même envie pour un autre CDN. J’ai donc postulé et, après quelques complications politiques, j’ai fini par être choisie.
Comment se sont passées ces trois premières années ?
La première année, je me suis sentie très bien accueillie. J’étais naïve, pleine d’idées et d’enthousiasme, puis la réalité a repris le dessus. Je me suis rendue compte que changer le monde, ou même simplement une ville, voire un théâtre, était naïf et impossible. Tout est contre le mouvement de changement. On se retrouve à contre-courant si l’on prétend changer quoi que ce soit. Les obstacles ont surgi de tous les côtés et j’ai perdu courage. Mais depuis l’été dernier, j’ai commencé à voir les premières pousses de ce que nous avions semé. C’est comme si l’on m’avait confié un énorme champ à défricher et replanter, avec un peu plus de bio. J’ai été mitigée sur l’idée de reconduire ma candidature, car j’ai toujours cette envie de liberté, de bouger, de choisir avec qui travailler ; mais, dans le même temps, j’ai très envie de voir croître ce que j’ai semé. Il est impossible de voir un changement radical en trois ans. J’ai ouvert un énorme chantier que je ne peux pas abandonner en plein travail.
Le public vous a-t-il suivie ?
Le public a suivi son mouvement naturel ; il a changé et suivi. Le public avait un a priori sur moi, avant que j’arrive. Un deuxième théâtre a été construit à Antibes, que dirige mon prédécesseur [Daniel Benoin, NDLR]. Le mouvement naturel d’une partie du public a été de le suivre. C’est naturel et bon, car cela signifie qu’il peut exister plusieurs directions de théâtres différentes. Évidemment, les chiffres de la fréquentation n’ont fait que baisser les deux premières années. Cela a fait peur aux tutelles. Il est pourtant impossible de remplir avant de vider.
Vous assumez un changement radical de public ?
Pas radical car il y a des abonnés de tous les âges qui sont restés très aventureux, très ouverts et qui ont suivi le changement avec joie. D’innombrables personnes abonnées depuis longtemps me disent qu’elles sont contentes. C’est un mélange. Un public est une masse organique et humaine. Il n’est pas le même la première semaine d’un spectacle que les suivantes. L’essentiel pour moi est de ramener la jeunesse, car on n’a pas fait beaucoup d’efforts au TNN pour y amener la jeunesse.
Revenons à votre répertoire. On peut y discerner deux lignes. Une classique, à vos débuts, une plus contemporaine aujourd’hui. Y voyez-vous un fil directeur ?
Pour moi, le fil conducteur de ces pièces, c’est l’humanité et ce que ça touche en nous et dans le public. Il est évident que l’on revient beaucoup aux classiques qui demeurent intemporels parce qu’ils ont cette humanité incontournable. On trouve cela beaucoup plus difficilement dans le contemporain, surtout celui qui se démode rapidement. Le contemporain du dernier siècle n’est plus du tout à jour, tandis que les grands classiques le sont toujours. J’ai parfois la chance de tomber sur des pièces contemporaines qui répondent au même besoin de parler de l’humain dans son entièreté.
Vous avez fait jouer deux pièces contemporaines, Lampedusa Beach et Terre noire…
J’ai découvert Lampedusa Beach, une pièce extraordinaire, par Lina Prosa ; nous l’avons montée avec Romane Bohringer. C’est à Stefano Massini que nous avons commandé Terre noire pour le festival « Réveillons-nous » que j’ai initié à Nice, autour de la COP21, pour un éveil autour de l’environnement. Il me semblait important que les théâtres y prennent part.
Ne sommes-nous pas là dans ce contemporain qui se démode, dont vous parliez ?
Nous verrons dans 50 ans si Terre noire raconte encore quelque chose. L’écriture de Stefano Massini est très belle, épurée, faite pour durer. Malheureusement, je ne pense pas que le sujet de l’environnement se démodera, cela ne risque que d’empirer.
Nous sommes aujourd’hui très focalisés sur ces problèmes. Peut-être les regarderons-nous différemment dans quelques années…
Il est certain que la façon dont on les voit sera sans doute datée et démodée, mais peu importe, ce qu’il faut, c’est raconter ce qui est d’aujourd’hui.
Nous ne sommes donc plus du tout dans le classique, qui aborde aussi des thèmes actuels et concrets mais par un autre biais, en essayant de ne pas y aller de manière frontale.
Ce qui est important, c’est de pouvoir présenter un peu de tout. Il est dommage de ne faire que du Tchekhov et du Shakespeare, quand certaines choses ont aujourd’hui besoin d’être racontées frontalement. Terre noire raconte quelque chose d’actuel, frontalement, de manière très simple, à la façon d’un conte. Cette pièce évoque les paysans d’Afrique du Sud, atteints par la corruption des multinationales et des avocats qui se disputent leurs terrains. Shakespeare ne peut pas nous raconter ces histoires d’aujourd’hui. Or cela touche les gens, notamment les jeunes, et parfois pour la première fois, grâce au théâtre : ils voient cette histoire représentée par des êtres de chair sous leurs yeux. Je me dis que c’est utile.
J’ai lu que vous revendiquiez un théâtre lanceur d’alertes. Est-ce le rôle du théâtre aujourd’hui ? Est-ce là quelque chose d’essentiel pour lui ?
Je pense qu’il faut rester modéré ; qu’il faut de tout. Je ne prétendrais pas que mon théâtre soit un théâtre lanceur d’alertes, cela serait exagéré, car j’estime que ma goutte est très petite dans l’océan de ces nécessités. Un théâtre aujourd’hui doit présenter un mélange de choses : de l’actualité, un rôle de lanceur d’alerte, mais aussi du pur divertissement… L’actualité est très déprimante et nous avons besoin de nous divertir et de rire pendant quelques heures. Quand on dirige un théâtre, il faut proposer au public un repas qui soit bien composé.
Comment arrivez-vous à être critique, en dirigeant un théâtre national, donc public ?
Je ne peux pas être critique, je me dois de rester neutre, car mon théâtre est financé pour moitié par la ville et par le ministère pour l’autre moitié. Je ne peux pas mordre la main qui me nourrit. Si j’avais un petit théâtre dans les champs, je serais peut-être beaucoup plus extrême. Il peut y avoir quelque chose de frustrant, car, compte-tenu de ce qui se passe autour de nous, j’aimerais être beaucoup plus révolutionnaire ; mais être obligée de diluer cela est aussi plus sain. Si on imagine tous les besoins de l’être humain : le rire, le réconfort, sentir son humanité, pleurer, être alerté, la direction d’un théâtre requiert une vision plus globale, oblige à dépasser sa subjectivité personnelle, ce qui est un travail très intéressant.
Quels sont vos projets pour les années à venir ?
Dans l’immédiat, je veux essayer d’approfondir tout ce que j’ai mis en place. Les grands axes sont le festival « Shake Nice ! », qui est le premier grand festival shakespearien international en France. J’aimerais pouvoir approfondir le travail que je mène avec les enfants et les jeunes, pour ce festival, par le biais de « Shakespeare Freestyle ! ». Pendant deux jours, des centaines de lycéens et de collégiens retransmettent sur le plateau leur vision d’une pièce de Shakespeare en moins d’une demi-heure. C’est une des choses dont je suis le plus fière à Nice. J’espère obtenir un partenariat avec l’université de Montpellier qui est la seule, je crois, à avoir un département exclusivement shakespearien. Ce qui nous manque, c’est le fond intellectuel sur Shakespeare. Je vais aussi approfondir le travail pour la jeunesse avec un festival qui aura lieu à la rentrée, car il ne suffit pas de proposer deux ou trois spectacles pour la jeunesse dans notre programmation. Nous allons organiser quatre semaines autour de la jeunesse. Cela aura lieu en octobre 2017, ce sera le festival « Génération Z ». Il reste beaucoup de travail pour le mettre en place. J’ai trop d’idées et d’envies que je n’ai pas les moyens humains de réaliser. L’équipe n’a pourtant jamais été si inventive et si entreprenante.
Propos recueillis par Matthieu de GUILLEBON
Source : Profession Spectacle