Les Echos

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18 04/2018

A Beaubourg, Les passions sous le regard de Philippe Mangeot | Les Echos

mercredi 18 avril 2018|Catégories: Art & Patrimoine|Mots-clés: , |

Philippe Mangeot
© Hervé Veronese/Centre Pompidou

Enseignant, ex-militant et ex-président de l’association de lutte contre le sida Act-Up, coscénariste de « 120 battements par minute « , Philippe Mangeot anime, durant toute l’année 2018, un « Observatoire des passions  » au Centre Pompidou. Interview.

Vous êtes « Le grand invité de la parole  » du Centre Pompidou en 2018. Comment est né ce projet ?

C’était il y a environ un an et demi. A son arrivée comme responsable du Département de la parole du Centre Pompidou, Jean-Max Colard a demandé à me voir. Il voulait mettre sur pied un nouveau genre de conférences. Ce que je lui ai dit croisait sa préoccupation du moment de ne pas souscrire au modèle unique de la conférence « one shot ».
Je crois que des choses les plus intéressantes ne peuvent se faire que sur le long terme. Par exemple « L’Encyclopédie des guerres « , de Jean-Yves Jouannais, qui a été lancé en 2008 et qui a trouvé son public, et qui a contribué à réidentifier Beaubourg. C’est une sorte de one man show intellectuel, de stand-up laboratoire. Quelque chose comme une oeuvre intellectuelle. Pour moi, c’était une sorte de modèle. Mais un modèle, ça ne se reproduit pas tel quel…

Vous engagez alors quelque chose avec Jean-Max Colard ?

Non. Pour plusieurs raisons. D’abord, un sentiment d’illégitimité : la chose au monde la mieux partagée ! Ensuite, le fait que je n’étais pas une femme, et que je trouverais intéressant que ce ne soit pas toujours les garçons qui passent en premier. Troisième raison : en devenant prof en classes préparatoires, j’ai fait le choix de n’avoir pas de spécialité. Si j’intervenais à Beaubourg, ce ne serait donc pas dans le cadre d’un champ de spécialité qui serait le mien.

J’ai beau avoir la vanité de penser que les idées les plus fortes naissent plutôt entre les spécialités qu’en leur sein, cela représentait un travail supplémentaire, et j’étais à l’époque très fatigué. C’est Philippe Artières, auquel Jean-Max Colard avait du reste également pensé, qui a inauguré ces cycles avec un très beau projet autour de la question de l’archive.

Du temps a passé et Jean-Max Colard vous a rappelé au printemps dernier. Et…

Et je lui ai dit oui, en lui proposant le thème des passions contemporaines. J’avais travaillé sur Marivaux, j’étais allé voir du côté de Saint Augustin, j’avais été frappé par la façon dont les classiques pensaient l’homme comme jouet passionnel, alors que nous mettons aujourd’hui au premier plan les déterminations économiques.

Et puis, j’ai été happé par la question des modalités de rencontres dans le monde virtuel, notamment des rencontres sexuelles. On dispose aujourd’hui, à portée de clic, chez soi, à la fois d’une archive et d’un terrain d’expérimentation, voire d’invention, de l’ensemble des passions humaines.

Quel est donc le dispositif que vous proposez au Centre Pompidou ?

Mon dispositif comporte deux volets : ce que j’ai appelé « l’Observatoire des passions » proprement dit et des événements parallèles sur le thème des passions. Ces derniers peuvent être en lien avec le musée. Nous travaillons actuellement sur l’hypothèse d’une visite ou une « revisite » passionnelle des collections. Je demanderai par exemple à un conservateur, à un restaurateur d’oeuvres ou à un gardien d’identifier une ou deux oeuvres avec lesquelles il a un rapport passionnel – qui peut être aussi un rapport d’hostilité ou un rapport de possession jalouse – et de faire une visite guidée commentée. Ca, c’est « L’Observatoire » qui se déplace au musée.

« L’Observatoire » se déplace aussi à « L’Assemblée générale », c’est-à-dire aux commémorations de mai 68. J’ai proposé une soirée sur les passions tristes dans les mobilisations politiques, celles qui entament la joie des soulèvements : amour du chef, volonté que ça s’écroule une fois qu’on est parti, soupçons, amour exclusif des structures, etc. Toutes ces choses qu’en tant que militant, j’ai vues et connues.

Et « L’Observatoire des passions » proprement dit, qu’est-ce donc ?

Une fois par mois, j’invite trois personnes à discuter ensemble. Deux personnes qui sont engagées dans une pratique passionnelle particulière, dont l’une a un lien avec les technologies modernes. Et une troisième qui pense les passions dans sa discipline de chercheur.

Lors de la première séance, il y avait un couple de collectionneurs d’art conceptuel, qui consacrent leur argent à des oeuvres dont la visibilité et le mode d’existence sont précaires, un joueur de jeux vidéo et le philosophe Pierre Zaoui. En mars, il y avait une marathonienne – la question de l’articulation entre souffrance et jouissance m’intéresse -, un Instagramer à plusieurs centaines de milliers de posts et de followers et l’économiste Frédéric Lordon.

Et le 20 avril, il y aura un usager de drogue qui a un rapport passionnel, et pas seulement addictif, à la drogue, une fan d’une chanteuse lyrique, qu’elle suit partout, et Claude Millet, professeure de littérature et spécialiste du romantisme.

Concrètement, comment ça se passe ?

Après une introduction et une remise en contexte que je fais, une conversation s’instaure avec les invités. Ce que je cherche, c’est le point d’équilibre entre ce qui relève du travail (les séminaires) et ce qui relève du spectacle. Sachant que les séminaires m’emmerdent souvent parce que je n’y vois que de l’entre-soi et que l’entre-soi me fatigue, et que les shows m’emmerdent parce que j’ai envie d’aller danser sur scène avec les gens !

Le public participe, pose des questions, intervient. A chaque séance, la salle, qui peut contenir 160-180 personnes, est pleine. C’est assez joyeux !

Parmi les activités que vous avez hors de votre travail de prof, vous avez été coscénariste de « 120 battements par minute ». L’énorme succès du film en France vous a-t-il surpris ?

Ca a surpris tout le monde ! Personnellement, je n’avais pas de doute sur le fait que « 120 BPM » était réussi. Mais je crois que la surprise a commencé bien avant, lorsque les financements ont été accordés plutôt facilement. Cela tient à la qualité du scénario, mais pas seulement : beaucoup de bons scénarios ne trouvent pas de financements.

Je crois que le film tombait juste et au bon moment. Peut-être cela a-t-il à voir avec l’arithmétique de la mémoire.

C’est-à-dire ? On ne peut pas dire que le sida soit encore un thème médiatique central…

Oui, j’ai pu vérifier à quel point le sida n’est plus du tout un sujet médiatique central. Le film est peut-être arrivé à un moment à la fois de panne politique et de désir politique. Le film s’est écrit au moment de Nuit debout. Je persiste à penser qu’au-delà de la mobilisation contre la loi Travail, ce qui s’y est dit alors, c’est : il y a d’autres choses à faire de la place bien-nommée de la République qu’un mausolée post-attentats. Après tout, c’était ça, déjà, le geste d’Act-Up : il y a d’autres choses à faire que d’enterrer nos morts.

Et puis il y a peut-être le fait que les 15-25 ans, qui ont fait une grande part du succès de « 120 BPM « , n’ont pas connu cette époque, dont ils sont les héritiers, alors même que le film représente des gens de leur âge. Ceux chez qui la réception du film n’a pas du tout été teintée d’une inquiétude existentielle l’ont pris comme un cadeau, une invitation.

Pensez-vous que ce côté politique d’Act-Up est perçu par les jeunes dont vous parlez ?

Chez ceux que je connais, en tout cas – certains de mes étudiants, par exemple -, oui. Il y a chez eux un désir très fort de se rassembler, de se retrouver physiquement. D’autant plus fort qu’avec le Net, la forme de la discussion a basculé. Les forums ouvrent des possibilités faramineuses et géniales. Mais en même temps, ça s’accompagne soit, chez des gens de notre génération, d’une nostalgie, soit, chez des gens de leur génération, d’une mélancolie. Nostalgie et mélancolie se retrouvant sur un désir de rassemblement des corps.

« 120 BPM » est un film où on s’engueule beaucoup, mais aussi où on s’aime beaucoup. Je crois que les gens ont vu cela. Il me semble qu’une des choses qu’on a réussies, c’est ça : donner à voir à la fois le tranchant de la discussion et les puissances d’amour. Et les acteurs sont superbes parce qu’ils ont compris ça.

Avez-vous hésité quand Robin Campillo vous a demandé d’être son coscénariste ?

J’ai dit « oui » très vite. Parce que j’avais le sentiment que c’était le bon moment. Dans son livre « Ce que le sida m’a fait », Elisabeth Lebovici demande à un collectif d’artistes femmes lesbiennes impliquées dans le sida pourquoi elles font une rétrospective à un moment donné. Et elles répondent : 25 ans, c’est le temps pour trouver au chagrin les moyens de s’exprimer. Je ne sais pas si c’est vrai. Mais quand l’équipe du film m’a sollicité, j’ai pensé quelque chose de cet ordre-là. J’ai pensé « il est temps ».

Deux choses m’ont quand même fait hésiter. La première : la crainte de retourner vers des moments extraordinairement vivants et de vérifier que je suis moins vivant aujourd’hui qu’à l’époque. La seconde : la crainte de retourner vers des moments extrêmement douloureux. Les deux se sont produits…

L’écriture a été à la fois nostalgique et bouleversée. Parce qu’il faut ouvrir les tombeaux, mettre au travail les fantômes. Ce qu’on a beaucoup fait. « 120 BPM  » est un film plein de fantômes, mais ce n’est pas un film crépusculaire. C’est un film sur la puissance vitale.

Source: Les Echos

6 03/2018

« La Cerisaie » balayée par la folle énergie du désespoir | Les Echos

mardi 6 mars 2018|Catégories: Spectacle Vivant|Mots-clés: , |

la-cerisaie-balayee-par-la-folle-energie-du-desespoir
© Simon Gosselin

Au Théâtre-Studio d’Alfortville, Christian Benedetti continue d’imposer son rythme effréné à l’oeuvre de Tchekhov. Après « La Mouette », « Oncle Vania » et « Les Trois Soeurs », il s’installe aux commandes d’une « Cerisaie » à la fois féroce et lumineuse.

Cité par Evtikhi Karpov dans « Tchekhov dans les souvenirs », le dramaturge russe assurait : « Je voudrais qu’on me joue d’une façon toute simple, primitive… Comme dans l’ancien temps… une chambre… sur l’avant-scène un divan, des chaises… Et puis de bons acteurs qui jouent… C’est tout. » Cette confidence, Christian Benedetti l’a placée au coeur de son projet un peu fou entamé il y a près de sept ans, celui de monter tout Tchekhov. Après « La Mouette », « Oncle Vania » et « Les Trois Soeurs », le metteur en scène s’aventure dans « La Cerisaie ». Créé en 2015 aux Nuits de Fourvière, le spectacle est repris au Théâtre-Studio d’Alfortville et s’ancre à pleines racines dans le sillon théâtral qui a fait la singularité, et le succès, des trois précédents opus.

Avec pour seul décor une vieille armoire, un banc et quelques chaises, comme autant d’éléments imposés, Christian Benedetti ne s’embarrasse d’aucunes fioritures. Il met le texte à nu, imprime un rythme effréné où les silences, savamment maîtrisés, soulignent les noeuds du drame tchekhovien et traduisent sa fine lecture de l’oeuvre. Débarrassée de ses longueurs et langueurs, « La Cerisaie » dévoile alors toute sa férocité. Pris, les bras ballants, dans ce tourbillon bourgeois qui terrasse une aristocratie aveuglée par sa rutilance passée, l’aréopage de personnages n’en devient que plus pathétique.

Enterrement de première classe

Mus par une extrême vitalité, les comédiens semblent se nourrir de cette folle énergie du désespoir. De Christian Benedetti, ambivalent Lopakhine, à Hélène Viviès, touchante Varia, tous donnent une teinte nouvelle à cette inéluctable décadence. Montée avec un ton quasi vaudevillesque, la pièce se transforme en une célébration presque lumineuse. La fête du troisième acte, orchestrée comme un théâtre d’ombres, tourne à l’enterrement de première classe d’un monde qui s’est dissout dans un mélange d’orgueil et d’oisiveté. Jusqu’à devoir mendier auprès de ceux que jadis il dominait.
Abrupts et anguleux, les personnages ne perdent pour autant ni de leur profondeur, ni de leur complexité. Leurs relations sont toujours sous-tendues par cette attraction-répulsion antédiluvienne, leur rapport au monde encore dicté par ces réflexes sociaux reçus en héritage mais aujourd’hui dépassés. A travers le travail de Christian Benedetti, c’est bien toute l’acuité de Tchekhov qui se fait jour. Et comme tout regard perçant, il est cruel, forcément cruel.

LA CERISAIE
d’Anton Tchekhov
Mise en scène de Christian Benedetti.
Théâtre-Studio d’Alfortville (01 43 76 86 56) jusqu’au 24 mars.
Durée : 1h30.

Source: Les Echos

19 10/2017

« La Fuite ! » : le rêve noir de Bougalkov et Makeïeff | Les Echos Week-end

jeudi 19 octobre 2017|Catégories: Spectacle Vivant|Mots-clés: , |


Défait, l’état-major russe blanc prépare sa « fuite ». © Pascal Victor/ArtComPress

Créée à La Criée, à Marseille, « La Fuite ! », comédie fantastique en huit songes de Mikhaïl Boulgakov, est promise à une longue tournée. Macha Makeïeff en a fait une belle fugue onirique et burlesque, portée par des comédiens habités.

« La Fuite ! » est sans doute le spectacle le plus ambitieux de Macha Makeïeff. D’abord parce que la pièce de Mikhaïl Boulgakov est un monstre, une épopée de plus de trois heures qui retrace en huit « songes » et 22 personnages le (mauvais) trip des Russes blancs prenant le large après leur défaite face aux bolcheviques. Ensuite, parce qu’il s’agit du projet le plus personnel de la directrice de La Criée. Ces rêves grinçants, peuplés de « vaincus » écorchés vifs et fantasques (officiers psychopathes ou en perdition, femmes bafouées, artistes de foire, idéalistes en mal d’idéal) lui rappellent étrangement les « cauchemars éveillés » de sa grand-mère, recluse avec son mari dans leur sombre appartement lyonnais après un périple comparable.

Avant d’enclencher la machine à rêves, Macha Makeïeff raconte son histoire en voix off et se met elle-même en scène, enfant. On retrouvera la petite Macha, dans un halo de lumière à la fin de ce fantastique voyage qui nous aura conduits à un train d’enfer de Tauride, en Crimée, puis de Constantinople et Paris, à l’aube des années 1920. La metteuse en scène s’approprie ainsi totalement, intimement, l’oeuvre censurée (comme tant d’autres) par Staline. « La Fuite ! » n’est pourtant pas une quelconque tentative de réhabilitation de la Russie tsariste et de ses partisans, juste une mise en abîme ironique et désespérée de la folie des hommes, de l’absurdité de la guerre civile et de la douleur de l’exil.

DÉCOR ÉBLOUISSANT

Macha Makeïeff, aidée d’une belle troupe de comédiens habités (Pascal Rénéric, Vanessa Fonte, Karyll Elgrichi, Alain Fromager, Vincent Winterhalter, Pierre Hancisse, Sylvain Levitte…) orchestre une grande « fugue » onirique et burlesque, truffée d’images puissantes et de points de suspension mélancoliques. Le grand décor amovible (gare, bureau du renseignement, fête foraine, appartement parisien…) et les costumes variés, signés de la metteuse en scène, sont éblouissants. De même que les lumières bigarrées imaginées par Jean Bellorini, directeur du TGP (le cousinage artistique entre la femme et l’homme de théâtre se confirme ici avec brio).

On n’oubliera pas non plus le fin regard complice d’Angelin Preljocaj porté sur les chorégraphies. Car on danse, on joue de la musique (accordéons, cuivres…) et on chante dans cette « Fuite ! » marseillaise. Le rêve noir de Bougalkov est magnifié par tous les arts. Macha Makeïeff a réussi son pari, en portant à son acmé une forme de théâtre satirique, onirique et flamboyant. Bougalkov, pour rire, pour pleurer… et pour rêver.

Philippe Chevilley

LA FUITE ! de Mikhaïl Boulgakov
Macha Makeïeff, à Marseille Théâtre de La Criée (04 91 54 70 54). Jusqu’au 20 oct. Puis tournée : Nice (7 au 9 nov.), Tarbes (14-15 nov), Corbeil-Essonnes (21 nov.), TGP Saint-Denis (29 nov.-16 Déc.), Toulon Théâtre Liberté (21-22 déc.), Lyon – Célestins (9-13 janv.) Angers Le Quai (19-20 janv.)

Source: Les Echos

12 09/2017

La littérature fait sa mue au festival Extra ! | Les Echos

mardi 12 septembre 2017|Catégories: Art & Patrimoine, Festivals|Mots-clés: , |


La littérature fait sa mue au festival Extra ! / © Hervé Veronese

En marge de la rentrée littéraire, le festival Extra explore les littératures « hors livre » pendant cinq jours au Centre Pompidou.

Le livre a perdu de sa superbe. La faute à la radio, puis à la télévision et aujourd’hui à internet… On connaît la chanson. Mais si le public lit moins de livres, doit-on nécessairement conclure qu’il ne lit plus ? La littérature est elle en perdition parce que « l’objet livre » est rendu obsolète par les écrans d’ordinateur et les liseuses électroniques ? Le festival « Extra ! » au Centre Pompidou se moque bien des Cassandre. La littérature évolue, et, comme le fredonnait Léo Ferré, « c’est extra ! ». Jusqu’au dimanche 10 septembre, la première édition du festival réunit un ensemble de manifestations littéraires pour fêter la littérature « hors livre », selon la formule du poète sonore français Bernard Heidsieck. En pleine rentrée littéraire, c’est un joyeux pied de nez à l’establishment du folio papier.

Derrière le concept du « hors livre » se logent toutes les occurrences littéraires existant par d’autres formats que le livre imprimé : la performance artistique, l’écriture numérique, le film poème, la lecture à haute voix, le rap, le slam… soit toute forme d’art plastique ou audiovisuel revendiquant un geste littéraire. Aussi, il n’est pas étonnant que le Centre-Pompidou, qui célèbre l’innovation artistique depuis sa création en 1977, se soit emparé de cette forme d’expression éclatée. Jean Max Collard, programmateur d’Extra ! et chef du département « Parole » au Centre Pompidou, insiste : « ce festival se dresse contre ceux qui disent que la littérature s’est repliée sur elle-même. De nouvelles formes littéraires naissent dans le sillage du numérique. Extra ! met en avant cette reconfiguration du paysage, en proposant des formes alternatives. »

Ces proliférations littéraires sont encore peu familières au grand public. Peu visibles, diffusées de manière sporadique, attirant un public de niche, les littératures hors livre laissent par définition peu de traces. Dès lors, pour Serge Lasvignes, directeur du Centre Pompidou, la création d’un prix devrait permettre de graver ces formes d’art dans la pierre des institutions. La figure tutélaire de Bernard Heidsieck s’est imposée d’emblée, souligne Jean-Max Collard. Lauréat 1991 du grand prix national de la poésie, pionnier de la « poésie sonore », invité régulier du Centre Pompidou, il défendait le renouvellement des formes poétiques par le biais de médias dissidents comme le magnétophone et la performance physique.

C’est Caroline Bergvall, artiste franco norvégienne connue pour ses créations visuelles et sonores, a reçu ce premier prix Bernard Heidsieck – Centre Pompidou de l’année 2017. Elle se réjouit de cette évolution du champ de la littérature : « je me perçois comme une écrivain qui travaille le livre mais aussi l’ailleurs du livre. J’écris, et j’utilise aussi d’autres supports : le dessin, la vidéo, la performance, qui sont aussi des formes d’écritures. » Les deux autres récipiendaires sont John Giorno, récompensé pour l’ensemble de son oeuvre, et Lamberto Pignotti, qui obtient la mention spéciale Fondazione Bonotto, partenaire et mécène du prix.

FORMES MILLÉNAIRES

Tout en explorant le futur, le festival renoue avec des formes de littérature millénaires. Les chants d’Homère, les contes populaires, le théâtre même relèvent à l’origine d’une littérature strictement orale – et « poème » vient du latin carmen, chant. Dès lors, le livre pourrait n’être qu’un moment d’une longue histoire littéraire qui basculerait demain sur d’autres supports, numériques, plastiques, sonores, visuels… et les temps changent déjà : le prix Nobel de littérature 2016 n’a-t-il pas été remis au chanteur Bob Dylan ?


© Hervé Veronese

On ne manquera pas durant ces quelques jours « extras » les performances de l’auteur performeur Julien Bismuth, qui écrira tous les jours à 18h30 face au public, et dont le texte en train de se faire sera projeté en direct ; le showcase du rapport Elom 20ce (vendredi 20h30) et le spectacle libertin de Catherine Robbe-Grillet (samedi 20h) qui promet bien des plaisirs ; dans le sillon de la rentrée littéraire, Joy Sorman, Célia Houdart et Yannick Haenel (19h jeudi, samedi et dimanche) viendront parler de leur dernier roman. Littérature sonore, nous voilà !

Esther Attias

EXTRA!
Paris, Centre Pomidou, jusqu’au 10 septembre, www.centrepompidou.fr

Source : Les Echos

5 02/2017

Irina Brook, l’engagée | Les Echos Week-end

dimanche 5 février 2017|Catégories: Spectacle Vivant|Mots-clés: , |


photo : BRUNO BEBERT

Faire « un théâtre ouvert sur l’horizon ». Pour servir cette vaste ambition, qu’elle s’est fixée depuis qu’elle a pris la direction du Théâtre national de Nice (TNN) il y a plus de trois ans, Irina Brook s’appuie avant tout sur les textes. L’essentiel, souligne- t-elle, est d’en trouver « qui racontent ce qu’on veut raconter, qui soient des porte-paroles de ce qu’on a à dire ». Et peu importe que leurs auteurs soient connus ou pas. Côté « classiques », les spectateurs peuvent, jusqu’à ce week-end, se confronter à Shakespeare, dans le cadre d’un festival qui aura duré trois semaines en tout. Le Songe d’une nuit d’été revisité et réinterprété par des collégiens et lycéens, Le Conte d’hiver sublimé par la merveilleuse troupe « so british » du metteur en scène londonien (né de parents irlandais) Declan Donnellan… « Il y a tout dans Shakespeare », s’exclame Irina Brook, regrettant toutefois qu’en France il « reste un auteur anglais et ne soit pas devenu « notre » auteur, comme très souvent dans les autres pays ».

Responsabilité éthique

En programmant également des auteurs plus contemporains que Shakespeare, Dostoïevski ou Cervantès, la directrice du TNN s’inscrit tout autant dans ce qu’elle tient pour « la responsabilité civique et éthique » du théâtre. Nombreux sont les thèmes majeurs qu’elle souhaite ainsi partager, ou autour desquels elle tente de rassembler : l’environnement, la liberté, les droits de l’homme, « les vilenies du monde »… Les migrations, aussi, dont il est question dans Lampedusa Beach, de l’Italienne Lina Prosa. Écrit dans une langue crue mais d’« une poésie à la fois contemporaine et épique », selon les mots d’Irina Brook, ce monologue de 2004 reste d’une actualité brûlante. Et tire aussi sa force de l’interprétation puissante de Romane Bohringer. En mars, pendant que la comédienne sera en tournée, Lampedusa et les migrants seront de nouveau à l’affiche au TNN avec Esperanza, de l’écrivain algérien Aziz Chouaki.

Lorsqu’elle n’était encore « que » metteure en scène et directrice de compagnie, la fille de Peter Brook et de l’actrice Natasha Parry venait régulièrement se produire à Nice, figurant depuis parmi ses « très très bons souvenirs ». Pour celle qui se rêvait révolutionnaire quand elle était petite, ouvrir l’horizon passe aussi par une plus grande proximité avec le public. Conférences, débats, projections, stages pour ados, visite des coulisses, ateliers pour enfants… les occasions ne manquent pas, tout au long de la saison, pour toucher le plus de monde possible.

Théâtre National de Nice. Programme et réservations : www.tnn.fr ou 04 93 13 90 90

Marianne Bliman

Source : Les Echos Week-end

1 02/2017

Césaire en majesté au TNP | Les Echos Week-end

mercredi 1 février 2017|Catégories: Spectacle Vivant|Mots-clés: , |


Photo Michel Cavalca

De l’Afrique aux Caraïbes, du Congo à Haïti… Trois ans après « Une saison au Congo », on retrouve Marc Zinga, le collectif Béneeré (du Burkina Faso) et leurs camarades dans « La Tragédie du roi Christophe », l’oeuvre maîtresse d’Aimé Césaire. On est ému de retrouver sur scène une troupe intense de 18 comédiens, 14 figurants, 4 musiciens, mis en scène avec sobriété et tranchant par Christian Schiaretti.

Pourtant la pièce n’est pas facile à aborder. Césaire invente un théâtre total qui, à partir d’un personnage historique – Henri Christophe a régné sur le nord d’Haïti (de 1811 à 1820) quelques années après l’indépendance -, convoque Shakespeare, Claudel, Péguy, pour délivrer un message politique et poétique, humaniste et métaphysique. On pouvait faire confiance au directeur du TNP pour aller droit au texte – nous faire entendre toutes ses vérités douloureuses et ambiguës sur le difficile exercice du pouvoir après l’émancipation – à Haïti comme ailleurs.

Dans un décor circulaire, mêlant le profane et le sacré (la petite scène populaire, où jouent les musiciens est dominée par un orgue majestueux), Schiaretti ordonne des tableaux vifs et stylisés, privilégie les harangues face au public, limite les déplacements à l’essentiel… Du combat de coqs initial à la chute du roi paralysé, en passant par le sacre, il distille avec parcimonie des images fortes, s’effaçant volontiers devant la puissance des mots. Derrière la lutte entre Christophe, l’ancien esclave qui veut bâtir un monde nouveau à marche forcée, et Pétion, le mulâtre républicain qui cherche le compromis avec la France, pointe le surnaturel, l’esprit vaudou, une force tellurique que seul le poète peut exprimer.

Force de la langue

Si, par moments, le spectacle paraît un peu didactique et figé, on est emporté par la force de la langue, l’énergie et la beauté des comédiens. Le duo Marc Zinga (Christophe)-Emmanuel Rotoubam Mbaide (son bouffon Hugonin) fait des miracles – le premier imposant son charisme fiévreux, le second, sa drôlerie désespérée.

Et puis il ne faut pas s’y tromper : Schiaretti et sa troupe nous parlent d’abord de politique : de ce regard noir sur des Blancs qui cultivent l’amnésie, de l’utopie qui ­partout se fait la malle, du pouvoir qui se shoote à la folie. Le dernier acte, où le tyran apparaît sur son fauteuil roulant alors que son bouffon se grime en zombie, apparaît telle la sombre métaphore d’un présent délétère.

« La Tragédie du roi Christophe » d’Aimé Césaire. MS C. Schiaretti.
TNP de Villeurbanne, jusqu’au 12 fév.
A Sceaux (Gémeaux) du 22 fév. au 11 mars.
3 heures.

Source : Les Echos Week-end

28 04/2016

Ubu, la « phynance » et le chaos, Les Echos Week-end

jeudi 28 avril 2016|Catégories: Spectacle Vivant|Mots-clés: , |

 

 

 

Photo Michel Cavalca

Source : Ubu, la « phynance » et le chaos, Les Echos Week-end

La pièce, jouée aujourd’hui, apparaît comme une métaphore du capitalisme en vrille, d’une société de (sur)consommation en pleine indigestion.

Jarry sans filtre… N’attendez pas une version policée de la pièce emblématique de l’écrivain anar. Christian Schiaretti a remisé les décors stylisés, la distance cérébrale qui caractérisent ses mises en scène pour cet « Ubu Roi (ou presque) » à l’affiche du TNP de Villeurbanne. Du chaos, du mauvais goût assumé… de la « merdre » sur le plateau ! La scène est couverte de terre et de déchets de toutes sortes. D’immenses colombins et un magma de collines difformes dessinent le relief « art brut » de cette Pologne de pacotille, dont la couronne sera usurpée par le Père et la Mère Ubu.

Ce retour aux sources « potachique » et scatologique n’a rien d’innocent. Le directeur du TNP entend montrer le côté visionnaire d’Alfred Jarry. Ubu est, selon lui, l’avatar d’un monde littéralement dans la « merdre » ; la pièce, jouée aujourd’hui, apparaît comme une métaphore du capitalisme en vrille, d’une société de (sur)consommation en pleine indigestion. Schiarretti fait valoir que ce qui motive le couple Ubu est moins le pouvoir, que la « phynance » – l’argent qu’il accumule frénétiquement – jusqu’à tuer la poule aux œufs d’or…

Cet « Ubu Roi », façon grande décharge a l’allure d’une pochade spectaculaire – et musicale (orchestrée par Marc Delhaye du haut de sa colline). Les ragoûts de la mère Ubu sont dégoûtants, l’exécution des nobles, magistrats et « phynanciers » (affublés d’un masque d’Emmanuel Macron) se fait dans des giclées de sang, les obus sont des ordures et des bouteilles vides. On complote, on s’engueule, on tyrannise, on se déchiquette… et on chante à tue-tête.

Plaisir vorace et rebelle

Pour autant Schiaretti reste Schiaretti. Le chaos est très organisé, rythmé de gags et d’effets (lumières « flashy », batailles réglées comme des numéros de music-hall), collant fidèlement au texte. La distribution – une dizaine de « comédiens-Frégoli » – cultive un décalage bienvenu, évitant que le spectacle sombre dans la vulgarité. Ainsi le couple vedette fuit-il tout comique troupier. Stéphane Bernard est un Père Ubu salle gosse (resté au stade anal) presque lunaire. Elizabeth Macocco, la Mère Ubu, joue les mégères apprivoisées – tous deux ont l’air atrocement humains…

Le texte a certes des tunnels que la mise en scène foisonnante ne peut tout à fait gommer, mais la « fatrasie collective » débridée que nous offre Schiaretti se déguste avec un plaisir vorace et rebelle. Jusqu’à cette ultime chanson du « décervelage » qui sonne comme un « protest-song » satirique de notre temps.

Théâtre : « Ubu Roi (ou presque) » d’Alfred Jarry, MS C. Schiaretti. TNP. Villeurbanne, jusqu’au 29 avr. et du 31 mai au 10 juin. 1 h 50. (04 78 03 30 00)

25 04/2016

Théâtre : le « Peer Gynt » écolo-rock d’Irina Brook | Les Echos Week-end

lundi 25 avril 2016|Catégories: Spectacle Vivant|Mots-clés: , |

 

 

Théâtre : le « Peer Gynt » écolo-rock d’Irina Brook ©M.Rittershaus

Source : Théâtre : le « Peer Gynt » écolo-rock d’Irina Brook, Les Echos Week-end

La directrice du Théâtre National de Nice reprend dans sa ville et en tournée son adaptation de la saga d’Ibsen, créée en 2012. L’homme-matamore, l’homme seul, défie la nature et le monde fragiles, dans une atmosphère très rock & roll.

En tant que responsable du Théâtre National de Nice, Irina Brook s’évertue à mettre au cœur de son mandat la question de l’Homme en relation avec l’environnement. La reprise de « Peer Gynt », créé en 2012 au Festival de Salzbourg, montre qu’une telle préoccupation s’illustraient déjà dans son travail d’artiste. Ses deux fonctions de directrice et de metteure en scène étant maintenant liées, « Peer Gynt » sera joué à Nice le 22 avril, date du Earth Day _l’un des événements mondiaux les plus importants en matière d’écologie.

Au cœur d’une forêt Scandinave, vivent chichement Peer Gynt et sa mère. L’homme est rejeté par les habitants alentours: ses idées saugrenues lui donnent l’air d’un fou. Cette réalité froide a l’apparence d’un conte hivernal fantastique. Peer ne se soumettra pas à cette existence sans joie : il sera un homme célèbre ! Dans sa quête d’un grand destin, il se débarrassera de tout ce qui lui est désormais superflu, à commencer par son âme qu’il léguera aux trolls en promettant d’adopter leur devise « just satisfy yourself ! ».

Iggy Pop et Sam Shepard

À Nice, on est loin de la forme originelle du drame norvégien de Henrik Ibsen. Irina Brook a opéré un important travail d’adaptation. L’histoire est fortement modernisée dans le choix des expressions, tout en conservant une apparence hors du monde commun. Iggy Pop (avec qui Brook rêvait de travailler à sa première lecture de la pièce, il y a 30 ans) s’est chargé de composer deux chansons, quand Sam Shepard a réécrit les monologues phares de la pièce.

Le résultat de cette collaboration est à la hauteur de ce à quoi l’on peut s’attendre : rock and roll à souhait. L’orchestre sur scène assure la musique, les bruitages, et souligne par de nombreuses incises l’ironie de la vie que cherche à mener « P. G. ». Ironie d’autant plus renforcée par l’abondance de chansons country. Une musique bien enracinée pour quelqu’un qui passe sa vie à chercher qui il est ! Peer Gynt multiplie les rencontres dans un monde vaste, aux apparences multiples, toujours prêt à faire chuter les bonnes âmes par un excès de haine ou une pensée inexistante.

La mise en scène souligne la détresse du héros qui finit par être pris dans une nostalgie étouffante teintée de regrets. Doté d’un véritable amour de la nature, Peer Gynt en est malheureusement inconscient. Dans l’univers créé par Irina Brook, il y a quelque chose d’elfique, la quête de Peer est similaire à celle de Frodon dans le Seigneur des Annaux à ceci près que le héros d’Ibsen lutte contre un Sauron intérieur.

Ivar Sigurdsson tient le premier rôle. L’acteur islandais aux multiples Edda Awards (l’équivalent insulaire de nos Césars), devient sous la baguette de Brook un adolescent quinquagénaire espiègle et fou. La mise en scène souligne la tension physique entre Peer et son environnement, il est une tornade destructrice pour tous ceux qui l’approchent. La pièce d’Ibsen illustre bien que chacun des choix de vie d’une personne implique des conséquences pour toutes celles qui l’entourent, comme chacune de nos décisions a des conséquences pour la planète. Peer Gynt se demande « qui suis-je », il ne trouve pas la réponse, mais pour le spectateur elle est limpide : on ne peut être soi-même qu’en acceptant les autres.

PEER GYNT, d’après Henrik Ibsen

Mise en scène d’Irina Brook – Durée : 2h45 (avec entracte). En anglais surtitré.

Théâtre National de Nice, le 22 avril.

Théâtre de Lorient, les 11 et 12 mai.

Théâtre de Saint-Quentin-en-Yvelines les 19, 20 et 21 mai.

La Criée – Théâtre National de Marseille, les 27 et 28 mai.

16 02/2016

Immersion au Théâtre de La Criée | Les Echos

mardi 16 février 2016|Catégories: Spectacle Vivant|Mots-clés: , |

Source : Lesechos.fr

30 11/2015

Climat : le théâtre de Nice fait sa révolution écolo | Les Echos Week-end

lundi 30 novembre 2015|Catégories: Environnement, Spectacle Vivant|Mots-clés: , , |


© Pascal Victor/ArtComArt

Dans le sillage de COP21, le Théâtre National de Nice propose un festival citoyen « Réveillons-nous », avec des créations d’envergure comme « Point d’interrogation » de Stefano Massini ou encore « Glaciers fondants » de David Lescot (programmé ensuite au Théâtre de la Ville à Paris). Reportage et rencontre avec l’initiatrice du projet Irina Brook.

Le théâtre, outil en faveur de l’écologie ? Irina Brook en est convaincue. Nommée en 2014 à la tête du Théâtre National de Nice (TNN), la nouvelle directrice des lieux anime le festival citoyen « Réveillons-nous », jusqu’au 13 décembre. Une façon pour les Niçois de faire leur COP21 à l’échelle locale. Irina Brook a la volonté de replacer le théâtre au cœur du lien social en permettant la rencontre entre les différents acteurs concernés par l’avenir de la planète : artistes, universitaires et avant tout des spectateurs, « réunis ensemble pour parler ». Le programme est dense : côté conscience collective, on remarque la tenue de nombreuses conférences, ateliers et débats en présence du biologiste Gilles-Eric Séralini, le glaciologue Claude Lorius ou encore la militante Vandana Shiva. Certains artistes engagés de la première heure, telle Coline Serreau, sont aussi présents. Pendant le week-end d’ouverture, celle-ci a présenté son film « La Belle Verte » sorti en salle en 1996, dont le propos semble plus que jamais d’actualité.

Place à la jeunesse

Côté création, une large place est accordée à la jeunesse. Irina Brook a rassemblé de jeunes comédiens autour du projet « Les Éclaireurs ». Ils ont présenté, dans les premiers jours de « Réveillons-nous ! », une mise en espace du texte « ? [Point d’interrogation] », écrit spécialement pour eux par l’italien Stefano Massini. L’auteur de « Chapitre de la chute. Saga des Lehman Brothers » donne le ton du festival en mettant dans la bouche des nouvelles générations des questions aussi évidentes que profondes : y aura-t-il une terre ? Tombera-t-on malade ? De quoi se nourrira-t-on ? Par des réponses dérisoires et saugrenues, aidé du talent de cette brillante troupe, Massini fait ressortir l’absurdité du progrès tout azimut. Ces interrogations basiques acquièrent une haute qualité textuelle sous la plume de Massini. « Les Éclaireurs » est un projet particulièrement symbolique : « ils se sont rassemblés pour le festival, il n’y a pas de structure juridique, de collectif défini qui les rassemblent, simplement l’urgence d’être dans la fabrique d’un monde nouveau », raconte Irina Brook. Ce spectacle éducatif, dégagé de la didactique, a pour vocation d’être diffusé dans les établissements scolaires de Nice et alentours.


© Pascal Victor/ArtComArt

Entre science et poésie

Toujours lors de l’ouverture de « Réveillons-nous ! » et avant son installation à Paris, à partir du 4 décembre, David Lescot est venu présenter sa nouvelle création, « Les Glaciers grondants ». Une fresque narrative passionnante qui colle à l’actualité. Elle raconte L’histoire d’un auteur chargé par la rédactrice en chef d’un grand hebdomadaire de rédiger un texte « décalé » sur les changements climatiques. Eric Caruso – alter ego de David Lescot – a une année pour produire son article. « Les Glaciers grondants » est la quête de ce Monsieur Tout-le-monde pour acquérir une conscience climatique fondée. On suit le profane – celui que nous sommes tous – dans ses rencontres avec des scientifiques, des savants qui guident son parcours et partagent leurs connaissances. Parfois aérienne, toujours rythmée (Benoit Delbecq et Steve Arguëlles accompagnent Eric Caruso en musique au fil de l’épopée), la pièce parle des climats météorologiques, mais aussi des climats amoureux. En même temps qu’Eric vit cette aventure, il se sépare de Camille. Les drames se mélangent intelligemment et subtilement entre la mécanique des fluides et la mécanique des cœurs. Si les rencontres d’Eric Caruso sont souvent déprimantes, David Lescot parvient à installer le juste équilibre entre science et poésie pour ne pas plomber la combativité qui sommeille en chaque spectateur.

S’ancrer dans la durée

Après le festival, Irina Brook veut s’évertuer à ancrer le TNN dans une écologie au quotidien : « si l’écologie est l’amour de l’humain et de la planète, cela doit être au cœur de la mission du théâtre ». Le restaurant du théâtre ne propose que des produits locaux et biologiques. Le foyer est constellé de dessins de jeunes collégiens appelant à une conscience climatique accrue de la part de leurs parents. La directrice se définit comme ayant toujours été « une fille de la nature ». Lors de sa prise de fonction à Nice, ce combat est devenu pour elle une évidence face à l’urgence : « la fonction que j’occupe ici m’oblige à prendre du recul, pour observer ce qui est important à montrer du monde. Le théâtre est obligé, face à des puissances comme Monsanto, de donner un maximum d’informations pour réveiller les consciences ». Signe d’une volonté de s’inscrire dans la durée, la prochaine mise en scène d’Irina Brook, au mois de janvier, portera justement sur la question de la destruction des terres agricoles par une puissante industrie : « Terre Noire », de Stefano Massini. La révolution écologique a plusieurs visages, à Nice, elle adopte celui du théâtre.

RÉVEILLONS-NOUS, Théâtre National de Nice (04 93 13 90 90) jusqu’au 13 décembre 2015. « Les Glaciers grondants » de David Lescot est à l’affiche à Paris, au Théâtre de la Ville (01 42 74 22 77), du 4 au 18 décembre.

Source : Les Echos Week-end